MAMMA MIA! * * *

Que la propia directora del musical teatral sea la que se encargue de llevar al cine la misma obra, tiene unos importantes beneficios pero también tiene su cara negativa, y sobre todo en Phyllida Lloyd, una reputada directora de la escena teatral inglesa que aquí afronta su primera incursión en el mundo del cine.

Lloyd y Catherine Johnson (escritora del libreto del Mamma Mia! teatral y guionista de la película) aseguran una correcta adaptación de la obra, o incluso una mejora del mismo por los beneficios que a sus mentes pudiera ofrecerles el cine. Uno no ha visto el musical así que no me es posible asegurarlo. Pero el papel más loable aquí de Lloyd es el trabajo como directora de actores, y aún no me queda muy claro este, porque si hay algo en este film es la naturalidad que transmite el reparto, más las actrices que los actores. Está claro que a estas alturas Meryl Streep no necesita a ninguna directora de teatro para sacar lo mejor de ella puesto que queda demostrado que la Streep puede hacer lo que quiera y a la edad que quiera y así se convierte en la verdadera estrella del film: verla cantar y bailar, pero sobre todo verla sonreír de forma natural. Acostumbrados a la Streep pletórica en sus grandes dramas podemos disfrutar viendo, precisamente, como disfruta ella con su papel; le es indiferente si parece ridícula cantando o bailando, nos demuestra que ella hace lo que le apetece.

Lo mismo hace el resto del reparto, Lloyd ha conseguido que nos contagien esa naturalidad, el aparente buen rollo que hay entre ellos. Aparte de Meryl Streep destacar a sus compañeras Julie Walters y Christine Baranski, que juntas hacen un trío inolvidable de cincuentonas felices de su condición.

Pero es en este punto donde la labor de la directora queda empañada, al final de la película, el espectador puede llegar a tener la sensación de que esa naturalidad conseguida es más bien fruto de las circunstancias que del propio trabajo de la directora. Al final te da por pensar que ahí están, un montón de actores que bien por su reputación o bien porque no suelen tener oportunidades de blockbuster veraniego, están allí, unas cuantas semanas de vacaciones pagadas en unas islas griegas en las que están bailando y cantando canciones de Abba, que no es un mal plan. Si bien también hay que reconocer que buena parte de la película está grabada en estudio ( lo que concierne a la casa-hotel) ya que canta bastante el chroma...

Técnicamente es donde más falla Lloyd, que se ve perdida para colocar la cámara, moverla, y colocar a los actores en la escena. Hay demasiados teleobjetivos en las escenas de exteriores (imagino que soluciones al terreno), y el sentido de la espectacularización queda reducido por una planificación que no sabe enfatizarla. Un claro ejemplo de esto es la supuestamente dramática escena de Streep y Brosnan (del que no haré comentarios) antes de la boda de su hija. Toda una canción en la que no se mueve ni los personajes ni el punto de vista de la cámara más que en el último minuto. Para el segundo minuto de canción Streep ya no sabe cómo continuar y eso que hace esfuerzos y ya no digamos Brosnan, que parece un arbusto más contemplando la escena.

También hay errores bastante cantosos de continuidad en el montaje al igual que el playback en las canciones.

En definitiva, Mamma Mia! es una película pasable, en puntos divertida y que puede merecer la pena por ver a la siempre perfecta Meryl Streep, bonitos paisajes de Grecia y descubrir alguna sorpresa como Walters y Baranski. Bueno claro, también recomendada para los fans de Abba...

EL INCIDENTE* * *

El siempre creativo e ingenioso director M Night Shyamalan demuestra con su nuevo film que el batacazo y el ataque generalizado tras su último film (La Joven del Agua) le han dejado profundamente tocado y desorientado pues en El Incidente no podemos ver mas que la punta del iceberg de lo que puede llegar a dar el director.

La película tenía todos los ingredientes para convertirse en una nueva obra maestra de este príncipe del suspense (rey solo hay uno y es el señor Hitchcock) pero sin embargo se nota un guión vago y una dirección algo dejada.

Shyamalan, que también firma el guión, procura avanzar en su camino humanista que ya inició con El Bosque, y esta vez le tocaba al cambio climático y a los "verdes". Una buena base de la que partir: qué pasaría si las plantas encontraran la manera de vengarse por el daño que conscientemente les hacemos. Empezemos a cuidar del medio ambiente más porque aunque parezca mentira este nos la puede devolver. Sin embargo el asunto es dibujado con trazos gordos y viene y va pero nunca nos sumergimos de lleno. Sí, es un incidente que como viene se va, pero más que un asunto natural parece más una solución rápida de un guionista que se ha metido en un jardín del que no sabe muy bien como salir.

En cuanto a los personajes pasa exactamente lo mismo, Shymalan incluye de nuevo, a lo Spielberg, una tragedia familiar que encuentra respuesta en el conflicto externo que se les presenta. Sin embargo esta vez este problema familiar queda de nuevo desdibujado, vago. Aunque en esto también tiene mucho que decir las actuaciones, del todo incorrectas, poco creíbles. Esta vez, la ubicación de actores en roles no habituales para ellos le ha salido al director bastante mal. Soy incapaz de creerme a Whalberg sin un arma y después esta la casi desconocida Deschanel, que deja bastante de desear. Después está Ms Jones, un personaje que la verdad, es de lo mejor de la película porque vemos al mejor Shyamalan pero en realidad actua más como momento relleno y artificio de cajón para dejar contentos a la audiencia.

Los puntos fuertes del film están en lo único en lo que Shyamalan no ha perdido su fuerza: la planificación y algo nuevo, la exaltación de la violencia. El director ha decidido embrutecerse, lo que no está mal, si bien lo único que hace es disfrazar un film que si no dificilmente se sostendría. Se vale de efectos a los que ya ha recurrido para impresionar, vease la escena de los leones, que además de ser tremendamente gratuita recuerda mucho a la de la fiesta con alien invitado de Señales. Dos momentos a alabar: el segundo arranque, el de verdad, la secuencia de los obreros (puesto que la escena que le precede pierde toda su fuerza cuando llega esta y por lo tanto era prescindible) y después el momento padre que va a salvar a su familia y es contagiado por el virus, simplemente impresionante.

Es por estos pequeños atisbos de genialidad por los que aún debemos seguir confiando en este director. Espero que se le pase su crisis creativa en breve y nos vuelva a demostrar lo mejor de él, una pena que fuera machacado injustamente por un film como La Joven del Agua.

NO ES PAÍS PARA VIEJOS* * * *

Aún sin haber visto toda la filmografía de los hermanos Coen, (he de decir que he visto mas bien poco), no descubro nada si afirmo que son uno de los mejores directores y guionistas de nuestra era. Aquí nos presentan una obra maestra en dirección, si bien esta vez la historia la veo algo irregular.

La película está planificada de manera soberbia. Cada secuencia es un goze para la vista: planos maravillosos, ritmo pausado pero lleno de emoción, y una fotografía simplemente alucinante, y todo ello complementado con una dirección de actores. Aquí todos brillan y se lucen, especialmente Bardem, que con su sola presencia y sin que abra la boca se come todo lo que hay a su alrededor. El actor ha sabido construir un personaje ya histórico ( y eso que no me cae muy bien el señor Bardem).Es la propia encarnación del mal y la violencia irracional.

Sin embargo, ese punto fuerte (Anton Chigurh, el papel de Javier) es por otro lado su punto débil. No es el protagonista, sino un secundario, ya que el sentido de la historia recae en el personaje de Tommy Lee Jones; pero sin embargo la presencia del primero (junto al personaje de Josh Brolin) es mucho mayor que la del protagonista, que tiene la presencia de un secundario durante toda la película hasta el final, en el que se corta de manera brusca lo acontecido hasta el momento y Lee Jones se convierte en el protagonista, que adquiere una presencia trascendental. Esto en la novela tal vez funcione a las mil maravillas, pero tal y como lo han abordado los Coen en el cine no. Me resulto como Expiación, de repente me cortaban la historia para contarme otra, y eso molesta, y sobre todo de cara al final. Especialmente aquí, que la propia historia de persecución entre Brolin y Bardem es tan intensa e impactante, mientras Jones va pasando por las película como que sí... bien, el policía deprimido y derrotado ante tanto sin sentido... pero que aparece muy pocos minutos. Se resuelve la película de manera brusca y aparece Lee Jones haciéndo su momento clave, el problema es que el espectador aún está asumiendo la increíble historia de Chigurgh y Moss (Brolin).

Una película realizada de manera impecable, absolutamente increíble. Una pena que la historia no se asuma del todo bien, tan vez viéndola un par de veces más.

LA MARIPOSA Y LA ESCAFANDRA* * * *

Interesante propuesta creativa la del artista Julian Schnabel, que lleva cabo una investigación de la experiencia fílmica en primera persona. Con "La Mariposa y la Escafandra" Schnabel traslada el uso del plano subjetivo a un nuevo nivel. El filme se convierte en una experiencia sensorial más allá de lo puramente fílmico y cumple de sobra con los objetivos impuestos.

Estamos demasiado acostumbrados a una visión "objetivamente subjetiva", y el uso de la cámara subjetiva nos resulta extremadamente incómodo, sobre todo cuando su uso es prolongado excesívamente. El arranque del film es asombroso, me entusiasmó, pero cuando llevas algo así como media hora con un plano subjetivo, quieto en esa habitación de hospital, confuso; la cosa incomoda y deseas un poco de libertad, un plano abierto en el que no estemos en aquel cuerpo atado a la cama. El film nos molesta, pero porque ha conseguido trasladarnos verdaderamente a ese cuerpo, a esos pensamientos. Schnabel consigue cumplir su objetivo de identificación extrema con el personaje, aunque suponga que la película se convierta en un proceso pesado, incómodo, angustiosamente lento, pero es que la vida de aquel hombre que lo había tenido todo y que de repente se quedó tetrapléjico, esa atadura a una cama o silla en el hospital debió de ser tal y como nos la muestra el director.

Este proceso de recreación de una falsa realidad es igualmente interesante. Schnabel, con la ayuda del maestro de la fotografía Janusz Kaminski, centran todos sus esfuerzos en la representación fiel de la óptica humana, pero saben que es imposible con lo que crean una idealizada representación que acaba resultándonos paradójicamente bastante real. La contínua distorsión de la imagen, la superposición de la luz, incluso el parpadeo. Algo barroco pero sigue resultando efectivo, consigue que nos creamos aquella visión como real.

La película, a pesar de su estresante lentitud, tiene momentos de oasis emotivos y cómicos que le dan la vida. Destacaría la escena del encuentro con su hijo en la playa, una de las esenas más dramáticas que he visto en los últimos años, creo que es en ese momento en el que conectamos directamente con lo más profundo del personaje. La comedia también se hace presente y es la que quita hierro al asunto y la que nos da cierto aire, destaca cuando su amigo intenta comunicarse con él con el proceso de los parpadeos, cómica en su dramatismo.

Schnabel no inventa nada, la búsqueda de la recreación óptica para la identificación extrema con el personaje no es nada nuevo en la historia del cine. Pero las nuevas técnicas hacen que el director lo lleve a un nuevo nivel de falso hiperrealismo. Hubiera sido mucho más interesante que hubieramos quitado la voz en off, que obviamente no era la de nuestra mente...

HACIA RUTAS SALVAJES* * * *

Nuevo largometraje del actor Sean Penn, que nos demuestra que no tan solo es un excelente actor, sino que además puede llegar a ser un gran director, si bien, a mi humilde juicio, es un tanto excesivo y trascendental.

Penn nos invita a una excitante aventura de manos de un joven idealista con un grave problema existencial y que necesita escapar del mundo qe le rodea encontrando en la naturaleza salvaje, con ayuda de sus escritores favoritos, la aunténtica razón de su ser. Tal vez el retrato de lo que Penn hubiera querido hacer.

Hacia Rutas Salvajes es un extravagante viaje, por momentos surrealista (aunque lo que se cuenta es verídico). Un viaje fisico-psicológico que consigue cautivar la atención del espectador. Dos son los puntos fuertes de esta historia:

En primer lugar, los personajes secundarios, las personas que "Supertramp" (el protagonista) va encontrando por el camino y que van construyendo la nueva visión del joven. Van derrumbando su supuesto pensamiento bien acorazado y construido a partir de la multitud de libros leídos, creando continuos conflictos que el espectador va comprendiendo aunque no aparezcan explícitamente. Son unos secundarios que en realidad podríamos tomar como los verdaderos protagonistas por el peso que tienen en la historia. Aunque lo mejor es el hecho de que aparezcan de la nada y desaparezcan también a la nada, aunque dejando una importante huella tanto en el protagonista como en el espectador. Personas desconocidas de las que apenas sabemos nada y sin embargo podemos identificarnos con ellos. Destacar la intensidad dramática final del viejo. Impresionante contención.

El otro punto fuerte es el que toda road movie ofrece y que Sean Penn ha sabido explotar en lo justo: la belleza y espectacularidad de los paisajes que la naturaleza ofrece y que con una buena fotografía la pantalla de cine luce tan bien. Hacia Rutas Salvajes nos ofrece postales verdaderamente hipnotizadoras.

El filme es, aunque le cueste arrancar y peque de demasiada transcendentalidad en cada plano, verdaderamente cautivador y finalmente consigue hacernos sufrir tanto por él como por las consecuencias de su, en parte, egoísta viaje. Coincido con la Fotogramas en que sin duda lo peor es el excesivo final, maquillaje incluido.

EXPIACIÓN* * *

El preciosista director inglés de Orgullo y Prejuicio, Joe Wright, vuelve a la adaptación de novelas pseudorománticas con Expiación. Una turbia historia de confusiones y arrepentimientos cobardes.

Si Orgullo y Prejuicio era más una película de amor de época al uso, con Expiación el director tenía la oportunidad de crear un texto enrevesado, verdaderamente turbio y dramático, y sin embargo la película queda resuelta de manera repetitiva y desequilibrada. Cuenta con tres partes bien diferenciadas, y la tercera no deja de ser parte de las otras dos, la sombra sobre ellas. Sin embargo Wright, para salvaguardar el final sorpresa, se resiste a que se haga presente hasta el último cuarto de hora, es decir, el primer acto ocupa aproximadamente un 30 % del metraje, el segundo un 55% y la película es resuelta de manera precipitada y cortante en un 15 % del metraje. Se podría entender que el uso de la banda sonora (maravillosa, que incluye la percusión de una máquina de escribir) es la presencia continua del final. Pero esta teoría debiera ser cogida con pinzas.

Por otro lado la película resulta, al principio, un contínuo deja vu, de secuencias repetitivas, si, cada una representa un punto de vista, pero el efecto resulta incómodo, y en el primero desconcertante.

Cabe destacar la actuación de los actores, que dan a la película ese aire de nuevo clásico, sobre todo sus protagonistas, una Keira Knightley muy correcta y sofisticada y un James Mcavoy excelente, pero siempre despreciado desde su estreno en las pantallas mundiales con las Crónicas de Narnia, y eso que en todas sus apariciones se come las actuaciones de todos sus compañeros (incluida la de Forest Withaker en El Ültimo Rey de Escocia, aunque fuera este quien se llevase todas las rosas). También destacar el trabajo de la niña Saonirse Ronan, la pequeña Briony, excelente, una pena que su adaptación adulta, Romola Garai, no sepa estar a la altura para haber creado un gran personaje.

Expiación es una buena película que demuestra que Joe Wright es alguien a seguir (sobre todo por ese impresionante plano secuencia de la llegada del protagonista a ese infierno de playa, aunque seguramente sea una secuancia falseada, pero excelentemente planificada). Buena dirección, fotografía, banda sonora. La única pega, la sensación de repetitiva y su desequilibrio en la historia.

OSCARS 2008

Un año más hago mi personal quiniela sobre las películas más importantes de cara a los Oscars de este año.

-Película de Animación: BEOWULF/ RATATOUILLE/ THE SIMPSON MOVIE/ SURF'S UP
-Efectos Visuales: TRANSFORMERS/ THE GOLDEN COMPASS/ SWEENEY TODD/ PIRATES OF THE CARIBBEAN: AT THE WORLD'S END
-Efectos Sonoros: ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ TRANSFORMERS/ THE GOLDEN COMPASS/ REDACTED
-Edición de Sonido: ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ TRANSFORMERS/
REDACTED/ I AM LEGEND
-Maquillaje: ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ HARSPRAY/ SWEENEY TODD/ I'M NOT THERE/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA
- Vestuario: ATONEMENT/ ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ HAIRSPRAY/ THERE WILL BE BLOOD/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA
-Fotografía: LIONS FOR LAMBS/ MY BLUEBERRY NIGHTS/ NO COUNTRY FOR OLD MEN/ THE ASSASSINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD/ ACROSS THE UNIVERSE
-Dirección Artística: LOVE IN THE TIME OF CHOLERA/ ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ THE GOLDEN COMPASS/ ACROSS THE UNIVERSE/ SWEENEY TODD
-Montaje: YOUTH WITHOUT YOUTH/ LIONS FOR LAMBS/ REDACTED/ I'M NOT THERE/ THERE WILL BE BLOOD
-Banda Sonora: ATONEMENT/ IN THE VALLEY OF ELAH/ THERE WILL BE BLOOD/ ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA
-Guión Adaptado: ATONEMENT/ I'M NOT THERE/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA/ THERE WILL BE BLOOD/ CHARLIE WILSON'S WAR
-Guión Original: LIONS FOR LAMBS/ MY BLUEBERRY NIGHTS/ LARS AND THE REAL GIRL/ THE SIMPSONS MOVIE/ MARGOT AT THE WEDDING
-Actriz Secundaria: ROMOLA GARAI (Atonement)/ MERYL STREEP (Lions for Lambs)/ NATALIE PORTMAN (My Blueberry Nights)/ KERI RUSSELL (August Rush)/ JENNIFER JASON LEIGH (Margot at the Wedding)
-Actriz Principal: NICOLE KIDMAN (Margot at the Wedding)/ ALEXANDRA MARIA LARA (Youth Without Youth)/ CATE BLANCHETT (I'm Not There)/ NORAH JONES (My Blueberry Nights)/ GIOVANNA MEZZOGIORNO (Love in the Time of Cholera)
-Actor Secundario: CASEY AFFLECK (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford)/ TOM CRUISE (Lions for Lambs)/ JOHN TRAVOLTA (Hairspray)/ PAUL DANO (There will be blood)/ BRUNO GANZ (Youth without Youth)
-Actor Principal: TOMMY LEE JONES (In the Valley of Elah)/ DANIEL DAY LEWIS (There will be Blood)/ BRAD PITT (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford)/ DENZEL WASHINGTON (American Gangster)/ JAVIER BARDEM (Love in the Time of Cholera)
-Director: TODD HAYNES (I'm Not There)/ PAUL THOMAS ANDERSON (There will be Blood)/ MIKE NEWELL (Love in the Time of Cholera)/ JOEL & ETHAN COEN (no Country for Old Men)/ RIDLEY SCOTT (American Gangster)
-Película: I'M NOT THERE/ AMERICAN GANGSTER/ THERE WILL BE BLOOD/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA/ CHARLIE WILSON'S WAR

EL ORFANATO*

Bienvenidos a la mejor operación de marketing para el mayor engaño de un canal de televisión.

Yo soy el primero en apoyar la creación de un sistema de blockbusters a la española respaldados por las principales plataformas media de nuestro país. El engañabobos que en USA funciona tan bien. Ahora, que los astros se alinien y de paso dejen ciegos a todo el mundo (críticos incluidos) para favorecer el estreno de unos de ellos no... eso no.

El Orfanato es pura basura palomitera. Un compendio de efectos musicales para crear los oportunos sustos que entretengan al público en un metraje que es un sin sentido. Bayona se ha convertido en el sobrevalorado del año (imagino que a golpe de talonario y porque la sombra de Guillermo del Toro planea sobre él) y no es más que un director que ha querido jugar a ser Hitchcock demasiado pronto. Y es que si al mear se apunta tan arriba, al final uno se mancha. Aunque bueno, él feliz porque todo el mundo se está tragando su bodrio.

He leído en todos lados que El Orfanato es una película de género... bueno... a mi que me lo expliquen. Yo sólo vi un montón de acciones inconexas y explícitamente elaboradas para crear un efectista susto o suspense. Y sí, ya sabemos todos que subir de repente el volumen de la música en un dolby asusta a todo el mundo. Muchas, muchísimas de estas acciones resultan tremendamente absurdas y hasta cómicas, dos ejemplos: el boca a boca a la anciana que tiene destrozada la mandíbula, o la ¡claro! muy normal foto de una madre con su hijo que como es deforme le pone una bolsa vieja de patatas adornada de la manera más terrorífica posible... y así durante toda la película.

El Orfanato es una película con más agujeros y lagunas que verdaderos aciertos. Para no ser tan malo: entre estos últimos Belén Rueda, aunque algo exagerada en su actuación, y el sonido, bastante elaborado, al igual que la fotografía. Interesante primer final, pero que queda estropeado por una ñoñería muy al estilo Made in Hollywood (lo que demuestra que está muy lejos del gran Hitchcock). Por supuesto también aplaudir la campaña de publicidad, lo que demuestra que con el interés y la pasta de unos cuantos empresarios cualquier película puede llegar muy lejos. Ya sólo falta que gane el Oscar...

PROMESAS DEL ESTE* * * * *

Simplemente increíble, el último film de David Cronenberg es emocionante desde principio a fin, perfecto en su ejecución, con unas actuaciones pasmosas y todo ello sustentado por un sólido guión, sereno y seguro de sí mismo. Viendo Promesas del Este tienes la certeza de estar viendo una gran película.

Cronenberg nos presenta, por raro que resulte, una película "original" en el tema a tratar. Promesas del Este es la primera película importante en hablar de la cada vez más presente en los medios trata de blancas provenientes de Europa del este. Todo un entramado de mafias que no solo juegan con negocios de drogas etc, si no que también engañan a jóvenes con promesas de mejor futuro, trabajo y riqueza y que cuando llegan, solas, a un país desconocido, son tratadas para vender sus cuerpos. En todo ese oscuro mundo nos adentra un Cronenberg que entiende la necesiad de arrojar luz.

Para ello, además de estructurar el film con un interesantísimo y entretenido guión, ya que los problemas sociales en el cine, si son tratados indirectamente, entran mejor; Cronenberg nos pone a dos emergentes estrellas de Hollywood (Viggo mortensen y Naomi Watts) que están muy sobrados, sobre todo Mortensen, firme candidato al Oscar (en su contra el prematuro estreno y la falta de campaña)

La película cuenta también con una interesante y efectiva banda sonora de Howard Shore, que parece haber olvidado ya al Señor de los Anillos y busca nuevas notas. Destacar también la fotografía.

Ahí va un atrevimiento: Si Francis Ford Coppola creó la película por antonomasia sobre la mafia italiana (y por extensión la mafia en general), Cronenberg hace lo mismo sobre las nuevas mafias provenientes de Europa del Este. Una pena que en los tiempos que corren, en los que la memoria del espectador es más corta que la del pez medio y esta es ocupada por bombardeos de maxiestrenos al estilo spider-man, la película caerá en el olvido. un destino que gracias a esto, y a que la gente sigue preocupada en seguir alabando el pasado sin apreciar el presente, seguirá ocurriendo con todos los estrenos notable de este nuevo siglo.

HAIRSPRAY* * *

Adam Shankman da rienda suelta con este remake a lo que seguramente mejor se le da, coreografiar. Con una carrera bastante penosa como director, con filmes como Doce en Casa, Un Canguro Superduro, Planes de Boda o la única aceptable: Se Montó la Gorda; Shankman parece dar su primera campanada, aunque esta en realidad tampoco suene muy fuerte.

Hairspray, remake de un remake, es una película simplona en la que lo único que destaca son las coreografías, algo que el director rescata del musical más clásico y que últimamente se estaba olvidando. Pero el film resulta plano, demasiado claro, sin matices ni sombras. Todo es demasiado "guay". Se puede interpretar la ironía de la película pero tampoco me atrevería a asegurar que esa fuera la clara intención del director. Shankman le realiza un lavado al original de John Waters y se preocupa más por recuperar un tipo de musical olvidado desde Grease que por profundizar en la sátira de la "inocente" sociedad americana que supuso el original. Esta bien la primera faceta pero podía haberla compaginado mejor con la segunda.

Destaca por divertida su rocambolesca dirección artística, heredera directa de sus predecesoras y que es el único aspecto que hace de esta película algo especial y destacable. ¡laca, laca y más laca! y color y color. Un exceso que hace del filme un divertido ridículo que engancha. Un cierto sentimiento de película casposa irresistible.

Hairspray es divertida, pero ahí se queda. Es tan fácil de ver como de olvidar. Destacar por último a Nikki Blonsky, lo mejor de la película.