in&out cinema

MAMMA MIA! * * *

2008-09-02T23:22:00.000-07:00

Que la propia directora del musical teatral sea la que se encargue de llevar al cine la misma obra, tiene unos importantes beneficios pero también tiene su cara negativa, y sobre todo en Phyllida Lloyd, una reputada directora de la escena teatral inglesa que aquí afronta su primera incursión en el mundo del cine.

Lloyd y Catherine Johnson (escritora del libreto del Mamma Mia! teatral y guionista de la película) aseguran una correcta adaptación de la obra, o incluso una mejora del mismo por los beneficios que a sus mentes pudiera ofrecerles el cine. Uno no ha visto el musical así que no me es posible asegurarlo. Pero el papel más loable aquí de Lloyd es el trabajo como directora de actores, y aún no me queda muy claro este, porque si hay algo en este film es la naturalidad que transmite el reparto, más las actrices que los actores. Está claro que a estas alturas Meryl Streep no necesita a ninguna directora de teatro para sacar lo mejor de ella puesto que queda demostrado que la Streep puede hacer lo que quiera y a la edad que quiera y así se convierte en la verdadera estrella del film: verla cantar y bailar, pero sobre todo verla sonreír de forma natural. Acostumbrados a la Streep pletórica en sus grandes dramas podemos disfrutar viendo, precisamente, como disfruta ella con su papel; le es indiferente si parece ridícula cantando o bailando, nos demuestra que ella hace lo que le apetece.

Lo mismo hace el resto del reparto, Lloyd ha conseguido que nos contagien esa naturalidad, el aparente buen rollo que hay entre ellos. Aparte de Meryl Streep destacar a sus compañeras Julie Walters y Christine Baranski, que juntas hacen un trío inolvidable de cincuentonas felices de su condición.

Pero es en este punto donde la labor de la directora queda empañada, al final de la película, el espectador puede llegar a tener la sensación de que esa naturalidad conseguida es más bien fruto de las circunstancias que del propio trabajo de la directora. Al final te da por pensar que ahí están, un montón de actores que bien por su reputación o bien porque no suelen tener oportunidades de blockbuster veraniego, están allí, unas cuantas semanas de vacaciones pagadas en unas islas griegas en las que están bailando y cantando canciones de Abba, que no es un mal plan. Si bien también hay que reconocer que buena parte de la película está grabada en estudio ( lo que concierne a la casa-hotel) ya que canta bastante el chroma...

Técnicamente es donde más falla Lloyd, que se ve perdida para colocar la cámara, moverla, y colocar a los actores en la escena. Hay demasiados teleobjetivos en las escenas de exteriores (imagino que soluciones al terreno), y el sentido de la espectacularización queda reducido por una planificación que no sabe enfatizarla. Un claro ejemplo de esto es la supuestamente dramática escena de Streep y Brosnan (del que no haré comentarios) antes de la boda de su hija. Toda una canción en la que no se mueve ni los personajes ni el punto de vista de la cámara más que en el último minuto. Para el segundo minuto de canción Streep ya no sabe cómo continuar y eso que hace esfuerzos y ya no digamos Brosnan, que parece un arbusto más contemplando la escena.

También hay errores bastante cantosos de continuidad en el montaje al igual que el playback en las canciones.

En definitiva, Mamma Mia! es una película pasable, en puntos divertida y que puede merecer la pena por ver a la siempre perfecta Meryl Streep, bonitos paisajes de Grecia y descubrir alguna sorpresa como Walters y Baranski. Bueno claro, también recomendada para los fans de Abba...

EL INCIDENTE* * *

2008-07-02T10:23:00.000-07:00

El siempre creativo e ingenioso director M Night Shyamalan demuestra con su nuevo film que el batacazo y el ataque generalizado tras su último film (La Joven del Agua) le han dejado profundamente tocado y desorientado pues en El Incidente no podemos ver mas que la punta del iceberg de lo que puede llegar a dar el director.

La película tenía todos los ingredientes para convertirse en una nueva obra maestra de este príncipe del suspense (rey solo hay uno y es el señor Hitchcock) pero sin embargo se nota un guión vago y una dirección algo dejada.

Shyamalan, que también firma el guión, procura avanzar en su camino humanista que ya inició con El Bosque, y esta vez le tocaba al cambio climático y a los "verdes". Una buena base de la que partir: qué pasaría si las plantas encontraran la manera de vengarse por el daño que conscientemente les hacemos. Empezemos a cuidar del medio ambiente más porque aunque parezca mentira este nos la puede devolver. Sin embargo el asunto es dibujado con trazos gordos y viene y va pero nunca nos sumergimos de lleno. Sí, es un incidente que como viene se va, pero más que un asunto natural parece más una solución rápida de un guionista que se ha metido en un jardín del que no sabe muy bien como salir.

En cuanto a los personajes pasa exactamente lo mismo, Shymalan incluye de nuevo, a lo Spielberg, una tragedia familiar que encuentra respuesta en el conflicto externo que se les presenta. Sin embargo esta vez este problema familiar queda de nuevo desdibujado, vago. Aunque en esto también tiene mucho que decir las actuaciones, del todo incorrectas, poco creíbles. Esta vez, la ubicación de actores en roles no habituales para ellos le ha salido al director bastante mal. Soy incapaz de creerme a Whalberg sin un arma y después esta la casi desconocida Deschanel, que deja bastante de desear. Después está Ms Jones, un personaje que la verdad, es de lo mejor de la película porque vemos al mejor Shyamalan pero en realidad actua más como momento relleno y artificio de cajón para dejar contentos a la audiencia.

Los puntos fuertes del film están en lo único en lo que Shyamalan no ha perdido su fuerza: la planificación y algo nuevo, la exaltación de la violencia. El director ha decidido embrutecerse, lo que no está mal, si bien lo único que hace es disfrazar un film que si no dificilmente se sostendría. Se vale de efectos a los que ya ha recurrido para impresionar, vease la escena de los leones, que además de ser tremendamente gratuita recuerda mucho a la de la fiesta con alien invitado de Señales. Dos momentos a alabar: el segundo arranque, el de verdad, la secuencia de los obreros (puesto que la escena que le precede pierde toda su fuerza cuando llega esta y por lo tanto era prescindible) y después el momento padre que va a salvar a su familia y es contagiado por el virus, simplemente impresionante.

Es por estos pequeños atisbos de genialidad por los que aún debemos seguir confiando en este director. Espero que se le pase su crisis creativa en breve y nos vuelva a demostrar lo mejor de él, una pena que fuera machacado injustamente por un film como La Joven del Agua.

NO ES PAÍS PARA VIEJOS* * * *

2008-02-26T04:44:00.000-08:00

Aún sin haber visto toda la filmografía de los hermanos Coen, (he de decir que he visto mas bien poco), no descubro nada si afirmo que son uno de los mejores directores y guionistas de nuestra era. Aquí nos presentan una obra maestra en dirección, si bien esta vez la historia la veo algo irregular.

La película está planificada de manera soberbia. Cada secuencia es un goze para la vista: planos maravillosos, ritmo pausado pero lleno de emoción, y una fotografía simplemente alucinante, y todo ello complementado con una dirección de actores. Aquí todos brillan y se lucen, especialmente Bardem, que con su sola presencia y sin que abra la boca se come todo lo que hay a su alrededor. El actor ha sabido construir un personaje ya histórico ( y eso que no me cae muy bien el señor Bardem).Es la propia encarnación del mal y la violencia irracional.

Sin embargo, ese punto fuerte (Anton Chigurh, el papel de Javier) es por otro lado su punto débil. No es el protagonista, sino un secundario, ya que el sentido de la historia recae en el personaje de Tommy Lee Jones; pero sin embargo la presencia del primero (junto al personaje de Josh Brolin) es mucho mayor que la del protagonista, que tiene la presencia de un secundario durante toda la película hasta el final, en el que se corta de manera brusca lo acontecido hasta el momento y Lee Jones se convierte en el protagonista, que adquiere una presencia trascendental. Esto en la novela tal vez funcione a las mil maravillas, pero tal y como lo han abordado los Coen en el cine no. Me resulto como Expiación, de repente me cortaban la historia para contarme otra, y eso molesta, y sobre todo de cara al final. Especialmente aquí, que la propia historia de persecución entre Brolin y Bardem es tan intensa e impactante, mientras Jones va pasando por las película como que sí... bien, el policía deprimido y derrotado ante tanto sin sentido... pero que aparece muy pocos minutos. Se resuelve la película de manera brusca y aparece Lee Jones haciéndo su momento clave, el problema es que el espectador aún está asumiendo la increíble historia de Chigurgh y Moss (Brolin).

Una película realizada de manera impecable, absolutamente increíble. Una pena que la historia no se asuma del todo bien, tan vez viéndola un par de veces más.

LA MARIPOSA Y LA ESCAFANDRA* * * *

2008-02-26T03:00:00.000-08:00

Interesante propuesta creativa la del artista Julian Schnabel, que lleva cabo una investigación de la experiencia fílmica en primera persona. Con "La Mariposa y la Escafandra" Schnabel traslada el uso del plano subjetivo a un nuevo nivel. El filme se convierte en una experiencia sensorial más allá de lo puramente fílmico y cumple de sobra con los objetivos impuestos.

Estamos demasiado acostumbrados a una visión "objetivamente subjetiva", y el uso de la cámara subjetiva nos resulta extremadamente incómodo, sobre todo cuando su uso es prolongado excesívamente. El arranque del film es asombroso, me entusiasmó, pero cuando llevas algo así como media hora con un plano subjetivo, quieto en esa habitación de hospital, confuso; la cosa incomoda y deseas un poco de libertad, un plano abierto en el que no estemos en aquel cuerpo atado a la cama. El film nos molesta, pero porque ha conseguido trasladarnos verdaderamente a ese cuerpo, a esos pensamientos. Schnabel consigue cumplir su objetivo de identificación extrema con el personaje, aunque suponga que la película se convierta en un proceso pesado, incómodo, angustiosamente lento, pero es que la vida de aquel hombre que lo había tenido todo y que de repente se quedó tetrapléjico, esa atadura a una cama o silla en el hospital debió de ser tal y como nos la muestra el director.

Este proceso de recreación de una falsa realidad es igualmente interesante. Schnabel, con la ayuda del maestro de la fotografía Janusz Kaminski, centran todos sus esfuerzos en la representación fiel de la óptica humana, pero saben que es imposible con lo que crean una idealizada representación que acaba resultándonos paradójicamente bastante real. La contínua distorsión de la imagen, la superposición de la luz, incluso el parpadeo. Algo barroco pero sigue resultando efectivo, consigue que nos creamos aquella visión como real.

La película, a pesar de su estresante lentitud, tiene momentos de oasis emotivos y cómicos que le dan la vida. Destacaría la escena del encuentro con su hijo en la playa, una de las esenas más dramáticas que he visto en los últimos años, creo que es en ese momento en el que conectamos directamente con lo más profundo del personaje. La comedia también se hace presente y es la que quita hierro al asunto y la que nos da cierto aire, destaca cuando su amigo intenta comunicarse con él con el proceso de los parpadeos, cómica en su dramatismo.

Schnabel no inventa nada, la búsqueda de la recreación óptica para la identificación extrema con el personaje no es nada nuevo en la historia del cine. Pero las nuevas técnicas hacen que el director lo lleve a un nuevo nivel de falso hiperrealismo. Hubiera sido mucho más interesante que hubieramos quitado la voz en off, que obviamente no era la de nuestra mente...

HACIA RUTAS SALVAJES* * * *

2008-01-31T04:14:00.000-08:00

Nuevo largometraje del actor Sean Penn, que nos demuestra que no tan solo es un excelente actor, sino que además puede llegar a ser un gran director, si bien, a mi humilde juicio, es un tanto excesivo y trascendental.

Penn nos invita a una excitante aventura de manos de un joven idealista con un grave problema existencial y que necesita escapar del mundo qe le rodea encontrando en la naturaleza salvaje, con ayuda de sus escritores favoritos, la aunténtica razón de su ser. Tal vez el retrato de lo que Penn hubiera querido hacer.

Hacia Rutas Salvajes es un extravagante viaje, por momentos surrealista (aunque lo que se cuenta es verídico). Un viaje fisico-psicológico que consigue cautivar la atención del espectador. Dos son los puntos fuertes de esta historia:

En primer lugar, los personajes secundarios, las personas que "Supertramp" (el protagonista) va encontrando por el camino y que van construyendo la nueva visión del joven. Van derrumbando su supuesto pensamiento bien acorazado y construido a partir de la multitud de libros leídos, creando continuos conflictos que el espectador va comprendiendo aunque no aparezcan explícitamente. Son unos secundarios que en realidad podríamos tomar como los verdaderos protagonistas por el peso que tienen en la historia. Aunque lo mejor es el hecho de que aparezcan de la nada y desaparezcan también a la nada, aunque dejando una importante huella tanto en el protagonista como en el espectador. Personas desconocidas de las que apenas sabemos nada y sin embargo podemos identificarnos con ellos. Destacar la intensidad dramática final del viejo. Impresionante contención.

El otro punto fuerte es el que toda road movie ofrece y que Sean Penn ha sabido explotar en lo justo: la belleza y espectacularidad de los paisajes que la naturaleza ofrece y que con una buena fotografía la pantalla de cine luce tan bien. Hacia Rutas Salvajes nos ofrece postales verdaderamente hipnotizadoras.

El filme es, aunque le cueste arrancar y peque de demasiada transcendentalidad en cada plano, verdaderamente cautivador y finalmente consigue hacernos sufrir tanto por él como por las consecuencias de su, en parte, egoísta viaje. Coincido con la Fotogramas en que sin duda lo peor es el excesivo final, maquillaje incluido.

EXPIACIÓN* * *

2008-01-31T03:36:00.000-08:00

El preciosista director inglés de Orgullo y Prejuicio, Joe Wright, vuelve a la adaptación de novelas pseudorománticas con Expiación. Una turbia historia de confusiones y arrepentimientos cobardes.

Si Orgullo y Prejuicio era más una película de amor de época al uso, con Expiación el director tenía la oportunidad de crear un texto enrevesado, verdaderamente turbio y dramático, y sin embargo la película queda resuelta de manera repetitiva y desequilibrada. Cuenta con tres partes bien diferenciadas, y la tercera no deja de ser parte de las otras dos, la sombra sobre ellas. Sin embargo Wright, para salvaguardar el final sorpresa, se resiste a que se haga presente hasta el último cuarto de hora, es decir, el primer acto ocupa aproximadamente un 30 % del metraje, el segundo un 55% y la película es resuelta de manera precipitada y cortante en un 15 % del metraje. Se podría entender que el uso de la banda sonora (maravillosa, que incluye la percusión de una máquina de escribir) es la presencia continua del final. Pero esta teoría debiera ser cogida con pinzas.

Por otro lado la película resulta, al principio, un contínuo deja vu, de secuencias repetitivas, si, cada una representa un punto de vista, pero el efecto resulta incómodo, y en el primero desconcertante.

Cabe destacar la actuación de los actores, que dan a la película ese aire de nuevo clásico, sobre todo sus protagonistas, una Keira Knightley muy correcta y sofisticada y un James Mcavoy excelente, pero siempre despreciado desde su estreno en las pantallas mundiales con las Crónicas de Narnia, y eso que en todas sus apariciones se come las actuaciones de todos sus compañeros (incluida la de Forest Withaker en El Ültimo Rey de Escocia, aunque fuera este quien se llevase todas las rosas). También destacar el trabajo de la niña Saonirse Ronan, la pequeña Briony, excelente, una pena que su adaptación adulta, Romola Garai, no sepa estar a la altura para haber creado un gran personaje.

Expiación es una buena película que demuestra que Joe Wright es alguien a seguir (sobre todo por ese impresionante plano secuencia de la llegada del protagonista a ese infierno de playa, aunque seguramente sea una secuancia falseada, pero excelentemente planificada). Buena dirección, fotografía, banda sonora. La única pega, la sensación de repetitiva y su desequilibrio en la historia.

OSCARS 2008

2007-11-23T02:53:00.000-08:00

Un año más hago mi personal quiniela sobre las películas más importantes de cara a los Oscars de este año.

-Película de Animación: BEOWULF/ RATATOUILLE/ THE SIMPSON MOVIE/ SURF'S UP
-Efectos Visuales: TRANSFORMERS/ THE GOLDEN COMPASS/ SWEENEY TODD/ PIRATES OF THE CARIBBEAN: AT THE WORLD'S END
-Efectos Sonoros: ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ TRANSFORMERS/ THE GOLDEN COMPASS/ REDACTED
-Edición de Sonido: ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ TRANSFORMERS/
REDACTED/ I AM LEGEND
-Maquillaje: ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ HARSPRAY/ SWEENEY TODD/ I'M NOT THERE/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA
- Vestuario: ATONEMENT/ ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ HAIRSPRAY/ THERE WILL BE BLOOD/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA
-Fotografía: LIONS FOR LAMBS/ MY BLUEBERRY NIGHTS/ NO COUNTRY FOR OLD MEN/ THE ASSASSINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD/ ACROSS THE UNIVERSE
-Dirección Artística: LOVE IN THE TIME OF CHOLERA/ ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ THE GOLDEN COMPASS/ ACROSS THE UNIVERSE/ SWEENEY TODD
-Montaje: YOUTH WITHOUT YOUTH/ LIONS FOR LAMBS/ REDACTED/ I'M NOT THERE/ THERE WILL BE BLOOD
-Banda Sonora: ATONEMENT/ IN THE VALLEY OF ELAH/ THERE WILL BE BLOOD/ ELISABETH: THE GOLDEN AGE/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA
-Guión Adaptado: ATONEMENT/ I'M NOT THERE/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA/ THERE WILL BE BLOOD/ CHARLIE WILSON'S WAR
-Guión Original: LIONS FOR LAMBS/ MY BLUEBERRY NIGHTS/ LARS AND THE REAL GIRL/ THE SIMPSONS MOVIE/ MARGOT AT THE WEDDING
-Actriz Secundaria: ROMOLA GARAI (Atonement)/ MERYL STREEP (Lions for Lambs)/ NATALIE PORTMAN (My Blueberry Nights)/ KERI RUSSELL (August Rush)/ JENNIFER JASON LEIGH (Margot at the Wedding)
-Actriz Principal: NICOLE KIDMAN (Margot at the Wedding)/ ALEXANDRA MARIA LARA (Youth Without Youth)/ CATE BLANCHETT (I'm Not There)/ NORAH JONES (My Blueberry Nights)/ GIOVANNA MEZZOGIORNO (Love in the Time of Cholera)
-Actor Secundario: CASEY AFFLECK (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford)/ TOM CRUISE (Lions for Lambs)/ JOHN TRAVOLTA (Hairspray)/ PAUL DANO (There will be blood)/ BRUNO GANZ (Youth without Youth)
-Actor Principal: TOMMY LEE JONES (In the Valley of Elah)/ DANIEL DAY LEWIS (There will be Blood)/ BRAD PITT (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford)/ DENZEL WASHINGTON (American Gangster)/ JAVIER BARDEM (Love in the Time of Cholera)
-Director: TODD HAYNES (I'm Not There)/ PAUL THOMAS ANDERSON (There will be Blood)/ MIKE NEWELL (Love in the Time of Cholera)/ JOEL & ETHAN COEN (no Country for Old Men)/ RIDLEY SCOTT (American Gangster)
-Película: I'M NOT THERE/ AMERICAN GANGSTER/ THERE WILL BE BLOOD/ LOVE IN THE TIME OF CHOLERA/ CHARLIE WILSON'S WAR

EL ORFANATO*

2007-11-14T14:09:00.000-08:00

Bienvenidos a la mejor operación de marketing para el mayor engaño de un canal de televisión.

Yo soy el primero en apoyar la creación de un sistema de blockbusters a la española respaldados por las principales plataformas media de nuestro país. El engañabobos que en USA funciona tan bien. Ahora, que los astros se alinien y de paso dejen ciegos a todo el mundo (críticos incluidos) para favorecer el estreno de unos de ellos no... eso no.

El Orfanato es pura basura palomitera. Un compendio de efectos musicales para crear los oportunos sustos que entretengan al público en un metraje que es un sin sentido. Bayona se ha convertido en el sobrevalorado del año (imagino que a golpe de talonario y porque la sombra de Guillermo del Toro planea sobre él) y no es más que un director que ha querido jugar a ser Hitchcock demasiado pronto. Y es que si al mear se apunta tan arriba, al final uno se mancha. Aunque bueno, él feliz porque todo el mundo se está tragando su bodrio.

He leído en todos lados que El Orfanato es una película de género... bueno... a mi que me lo expliquen. Yo sólo vi un montón de acciones inconexas y explícitamente elaboradas para crear un efectista susto o suspense. Y sí, ya sabemos todos que subir de repente el volumen de la música en un dolby asusta a todo el mundo. Muchas, muchísimas de estas acciones resultan tremendamente absurdas y hasta cómicas, dos ejemplos: el boca a boca a la anciana que tiene destrozada la mandíbula, o la ¡claro! muy normal foto de una madre con su hijo que como es deforme le pone una bolsa vieja de patatas adornada de la manera más terrorífica posible... y así durante toda la película.

El Orfanato es una película con más agujeros y lagunas que verdaderos aciertos. Para no ser tan malo: entre estos últimos Belén Rueda, aunque algo exagerada en su actuación, y el sonido, bastante elaborado, al igual que la fotografía. Interesante primer final, pero que queda estropeado por una ñoñería muy al estilo Made in Hollywood (lo que demuestra que está muy lejos del gran Hitchcock). Por supuesto también aplaudir la campaña de publicidad, lo que demuestra que con el interés y la pasta de unos cuantos empresarios cualquier película puede llegar muy lejos. Ya sólo falta que gane el Oscar...

PROMESAS DEL ESTE* * * * *

2007-10-28T09:12:00.000-07:00

Simplemente increíble, el último film de David Cronenberg es emocionante desde principio a fin, perfecto en su ejecución, con unas actuaciones pasmosas y todo ello sustentado por un sólido guión, sereno y seguro de sí mismo. Viendo Promesas del Este tienes la certeza de estar viendo una gran película.

Cronenberg nos presenta, por raro que resulte, una película "original" en el tema a tratar. Promesas del Este es la primera película importante en hablar de la cada vez más presente en los medios trata de blancas provenientes de Europa del este. Todo un entramado de mafias que no solo juegan con negocios de drogas etc, si no que también engañan a jóvenes con promesas de mejor futuro, trabajo y riqueza y que cuando llegan, solas, a un país desconocido, son tratadas para vender sus cuerpos. En todo ese oscuro mundo nos adentra un Cronenberg que entiende la necesiad de arrojar luz.

Para ello, además de estructurar el film con un interesantísimo y entretenido guión, ya que los problemas sociales en el cine, si son tratados indirectamente, entran mejor; Cronenberg nos pone a dos emergentes estrellas de Hollywood (Viggo mortensen y Naomi Watts) que están muy sobrados, sobre todo Mortensen, firme candidato al Oscar (en su contra el prematuro estreno y la falta de campaña)

La película cuenta también con una interesante y efectiva banda sonora de Howard Shore, que parece haber olvidado ya al Señor de los Anillos y busca nuevas notas. Destacar también la fotografía.

Ahí va un atrevimiento: Si Francis Ford Coppola creó la película por antonomasia sobre la mafia italiana (y por extensión la mafia en general), Cronenberg hace lo mismo sobre las nuevas mafias provenientes de Europa del Este. Una pena que en los tiempos que corren, en los que la memoria del espectador es más corta que la del pez medio y esta es ocupada por bombardeos de maxiestrenos al estilo spider-man, la película caerá en el olvido. un destino que gracias a esto, y a que la gente sigue preocupada en seguir alabando el pasado sin apreciar el presente, seguirá ocurriendo con todos los estrenos notable de este nuevo siglo.

HAIRSPRAY* * *

2007-10-28T08:23:00.000-07:00

Adam Shankman da rienda suelta con este remake a lo que seguramente mejor se le da, coreografiar. Con una carrera bastante penosa como director, con filmes como Doce en Casa, Un Canguro Superduro, Planes de Boda o la única aceptable: Se Montó la Gorda; Shankman parece dar su primera campanada, aunque esta en realidad tampoco suene muy fuerte.

Hairspray, remake de un remake, es una película simplona en la que lo único que destaca son las coreografías, algo que el director rescata del musical más clásico y que últimamente se estaba olvidando. Pero el film resulta plano, demasiado claro, sin matices ni sombras. Todo es demasiado "guay". Se puede interpretar la ironía de la película pero tampoco me atrevería a asegurar que esa fuera la clara intención del director. Shankman le realiza un lavado al original de John Waters y se preocupa más por recuperar un tipo de musical olvidado desde Grease que por profundizar en la sátira de la "inocente" sociedad americana que supuso el original. Esta bien la primera faceta pero podía haberla compaginado mejor con la segunda.

Destaca por divertida su rocambolesca dirección artística, heredera directa de sus predecesoras y que es el único aspecto que hace de esta película algo especial y destacable. ¡laca, laca y más laca! y color y color. Un exceso que hace del filme un divertido ridículo que engancha. Un cierto sentimiento de película casposa irresistible.

Hairspray es divertida, pero ahí se queda. Es tan fácil de ver como de olvidar. Destacar por último a Nikki Blonsky, lo mejor de la película.

RATATOUILLE* * * * *

2007-09-30T07:31:00.000-07:00

El equipo de Pixar es una de las pocas compañías cinematográficas que siempre dan un paso adelante con cada estreno. Puede que de manera más pequeña (Cars) o de manera sorprendente (Buscando a Nemo), pero Pixar siempre avanza y lo hace a mejor. Esta nueva obra, dirigida por Brad Bird (Los Increíbles), demuestra una madurez en la empresa exquisita.

Ratatouille se aleja de la comedia gag, más cercana al mundo infantil, para deleitarnos con una comedia más sofisticada, con cierto sabor a clásico. Pixar parece crecer con su público original, aquellos niños, entre los que me incluyo, a los que deleitaron con la grandiosa Toy Story en 1995.

Como ya he dicho, Bird impregna a su película de un delicioso toque clásico, añejo, desde su inicio con esos planos grises de una casita en los campos franceses, hasta esa gran visión de París. Cada ingrediente de la película crea un magnífico plato para verdaderos gourmets.

Ratatouille nos habla de la valía de las personas no por sus características físicas sino por sus aptitudes. Nos habla del respeto más allá de las apariencias, puesto que en la persona o ser más repugnante (en este caso una rata de alcantarilla) podemos encontrar a alguien tremendamente valioso (aquí un excelente cocinero). Una historia que repite los mismos clichés morales que el resto, pero aquí se hace con mucho estilo, elegancia y serenidad. Bird evita la comedia ligera (sin querer menospreciarla) en la que prima el chiste fácil y rápido, el estilo rock-macarra de las producciones animadas de estos últimos años donde los personajes están tan perfilados que es imposible que den algún juego.

En contraste con este aspecto añejo encontramos la avanzada calidad técnica del filme, que como siempre, Pixar ha sabido controlar. Los dibujos tienen unas texturas casi reales (el pelo de Remy, los mater8ales de cocina, la luz, las telas, y un largo etc...) pero sin embargo siguen siendo perfectos dibujos animados de narices gordas y ojos saltones.

Con Ratatouille se confirma otra cosa: ¡qué maravilla cuando se basan en personajes de corto tamaño! ¡qué manera de colocarnos en una posición dónde las cosas cotidianas se ven tan grandes! Es en estas historias de pequeños dónde han sacado sus mejores historias, hablo de Toy Story, su secuela, Bichos y Buscando a Nemo, y ahora, Ratatouille.

Un paso hacia delante, pero parece ser que agarrando a Disney de la mano, el camino se estaba haciendo en círculo, ya que el film de Bird contiene ese magnífico espíritu de las obras del Disney clásico.

LOS SIMPSONS: LA PELÍCULA* * * * *

2007-08-19T08:41:00.000-07:00

¡Qué voy a decir de este homenaje a los 20 años que lleva esta familia amarilla haciendonos reír! Y es que los Simpsons se merecían ya un tamaño de pantalla de cine, por lo menos. El gran miedo y riesgo de este proyecto era el de decepcionar a los seguidores de la serie, como suele pasar con la mayoría de las películas que provienen de una serie de televisión. Sin embargo los guionistas de la película, que son los mismos que los de la serie han conseguido elaborar un completísimo guión que supone una condensación de estos largos 20 años de serie.

He leído en una crítica que a la película le faltaba aportar algo, que no era más que otro capítulo alargado hasta la hora y media, pero que quieren que aporte, si ya lo sabemos todo del universo de esta familia, el error hubiera sido intentar indagar explícitamente en la profundidad de los personajes (al estilo Sam Raimi y spider-man), ya que al final podía quedar un largo film sobre las diatribas mentales de Homer, algo que en este caso sería igualmente interesante. Pero hay que asumir que los Simpsons no son solo Homer, y aquí tenían que aparecer todos, y cuando digo todos, son TODOS.

El guión es uno de los mejores en lo que va de año. Una película emocionante, llena de guiños, gags destornillantes con momentos también para el drama. En Los Simpsons no falta nada y lo que es mejor, tampoco sobra nada.

La calidad del filme también es apoyada por la calidad de su campaña publicitaria y la filosofía del proyecto. Nadie sabía nada del argumento, por lo que tampoco nadie pudo crearse grandes espectativas. Yo al menos iba totalmente inocente al cine, sin saber lo que iba a ver, sin chistes destripados en trailers o reportajes variados. Los responsables de marketing han jugado muy bien al despiste.

Los Simpsons es, por ahora, una de las películas más destacables de este 2007. Espero que aunque se haya estrenado en el verano, sea recordada por los académicos para los Oscars, porque es lo mínimo que se merece esta familia.

SHREK TERCERO* *

2007-08-19T08:08:00.000-07:00

Nunca me he considerado muy amigo de este ogro verde, con su supuesta originalidad, "¡oh vaya, el cuento al revés, el feo y malo se queda con la guapa!", pero sin embargo el feo y malo ogro no resulta ser más que un héroe equivalente al bello principe y encima la guapa se tiene que convertir en fea para estar con el ogro, moraleja: los guapos con los guapos y los feos con los feos...
Pero bueno, Shrek era divertida y ciertamente era un aire fresco de animación junto a Pixar, en un mercado en el que la originalidad y diversión habían quedado ya bloqueadas.

Shrek 2 era, como toda mala secuela, una repetición de lo mismo de la anterior, sin embargo aportaba una interesante estructura de guión, con un emocionante climax final a base del ritmo de "Holding out for a hero".

Shrek Tercero hace un esfuerzo por aportar algo nuevo a la saga, pero con ello anula, tal vez sin querer, lo mejor de las dos anteriores. Se abandona la estructura de pareja que es separada por circunstancias ajenas a ellas para sustituirla por un tercero, Arturo, un nuevo personaje, soso, y que apenas aporta nada. Además han decidido suprimir los excelentes momentos musicales de las dos anteriores. Y lo que es peor, la estructura argumental es más lineal que la carretera de un desierto. Total, que ver Shrek Tercero es como las vacas que miran el tren pasar, carente de emoción alguna.

En esta tercera parte sólo dislumbran algunos chistes y el desaprovechado personaje de Merlín, el resto, puro más de lo mismo. Otra novedad es la de los bebés... protagonistas de un buen momento surrealista, pena que el resto de sus apariciones sean tan pedantes (sobre todo los bebes de asno...) .

Shrek Tercero es algo así como las últimas temporadas de Los Serrano, una sucesión de fórmulas ya desgastadas que no llevan a ningún lugar, si llega a haber una cuarta entrega, morirá alguien, como el personaje de Belén Rueda, a ver si así relanzan algo...

PIRATAS DEL CARIBE: EN EL FIN DEL MUNDO* * * *

2007-06-08T11:02:00.000-07:00

Si algo ha demostrado Gore Versinki con esta trilogía es que, más que ninguno, tiene muy perfeccionado el sentido del espectáculo. La tercera parte si bien es más barroca, no pierde, sino mejora su estética y aunque es más densa, no pierde su base de no pretensiones.

Si hace poco veíamos en que jardín insalvable se metía Raimi con la tercera parte de Spider-man y sus largas diatribas sobre los sentimientos del pobre Peter Parker. Versinki pasa directamente a la acción, al puro y simple espectáculo. Es cierto, que como he dicho antes, tal vez haya cargado más de lo necesario la película. Hay demasiadas historias secundarias y al no profundizar en ellas, por que no hay tiempo y es imposible, quedan demasiado confusas de cara al espectador. Pero esta confusión dramática Versinki la equilibra con luchas imposibles, personajes fantásticos con unos efectos especiales sobrecogedores por su realismo. Pero aún así no compensa, hay demasiado.

Como todas las terceras partes, En El Fin del Mundo es la más barroca, excesiva. Apenas encontramos huecos vación en los encuadres, exceptuando la enigmática escena presentación de Jack Sparrow y alguna que otra panorámica. Pero el tono general es mostrar el portento de la trilogía aquí y allá, mostrar lo capaces que son de hacer cosas tan chulas. Todo al servicio de la sorpresa y el placer del público, eso está bien, pero tanto puede llegar a empachar. De tanto al final no sabes quién era Calipso, pero qué es lo que le pasa a Davy Jones, qué tiene que ver el chino con todo esto, a qué viene lo del padre de Will Turner con su novia, de qué hablan de cuando el anterior consejo, pero al final que relación tenían Sparrow con Beckett, etc. Cuando acabas la película vas reconstruyendo todo, pero durante su visión, no se si es por la desviación hacía lo magnífico del espectáculo o qué pero cómo que te va costando asumir el argumento, buscando también hilos que atar con las dos anteriores. Mucho lío.
Versinki también se muestra excesivo y repetitivo con el juego de gags con los dos piratas chiflados, el del ojo de madera y el que siempre está cabreado. Y con el mono, que acaba siendo odioso. Estos dos aspectos que no se por qué creo que tienen que ver mucho con el palomitero productor Jerry Bruckheimer.

Pese a todo, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, creo que es una delicia visual y sobre todo, no resulta decepcionante, no rompe, creo yo, con ningúna expectativa. Resaltar la "traca final". Si en films al estilo Harry Potter, siempre decepcionan por la creación y posterior fallida de espectativas. Versinki echa toda la carne en el asador para los 20 minutos finales de su trilogía. Destacar la pelea Sparrow-Davy Jones, interminable y por ello, tremendamente emocionante.

La tercera entrega de los piratas ya más famosos cumple. Grandes secuencias, magníficos efectos especiales, puro espectáculo. No tendrá el perfecto guión de El Padrino o Casablanca, pero esta trilogía entretiene a más no poder.

ZODIAC* *

2007-06-01T14:22:00.000-07:00

David Fincher vuelve al thriller policiaco más clásico desde su primer film, Seven. Tras dos experiencias fílmicas innovadoras técnicamente, que en mi opinión eran innecesarias, como fueron La Habitación del Pánico y El Club De La Lucha. Fincher intenta ahora todo un ejercicio de contención con estilo para recuperar lo que Seven mejor nos presentaba del director. La creación de complejas atmósferas incómodas, asfixiantes y por otro lado la agilidad narrativa que los Serial killer ofrecían. Ciertamente el primer aspecto está presente en Zodiac en cada minuto de metraje. Sin embargo la agilidad se ha visto empañada por una más que excesiva duración que no se encuentra más que forzada por una historia larga en el tiempo y que encima no es conclusa, con lo que para el espectador medio su larga duración queda injustificada.

En la historia de este asesino en serie que se hacía llamar Zodiac falla la falta de equilibrio de sus partes. Si en Seven todo estaba planificado de una manera excelente: asesinato+investigación+asesinato+investigación (hasta 7 veces) y resolver caso+sorpresa final.. daba la fórmula de una obra maestra del thriller de nuestro tiempo. Aquí sin embargo la estructura es muy distinta: asesinato+investigación+asesinato+investigacion+investigación+investigación+no resuelven el caso. En una película sobre Zodiac, este sólo ocupa la primera parte del filme, que es corta, y aunque potente, es insuficiente. El resto es la larga investigación que realizan tanto un policia como un dibujante de periódico obsesionado con el tema. La película es interesante tanto como si hubiera tomado una vía como otra, pero creo que era necesario elegir una. O te centras en los asesinatos de Zodiac y su posible móvil, como en Seven. O te centras en las obsesiones que estos casos de asesinos en serie y su repercusión mediática provocan en algunos ciudadanos. En todo caso, te hubieras ahorrado metraje y hubieras conseguido una mayor asunción de la historia por parte del espectador.

Viendo Zodiac no sabemos si estamos viendo una gran obra maestra, sobre todo al principio, si estamos viendo un nuevo intento de Seven, o si estamos viendo una peli sobre el mundo del periodismo. Por no hablar de cuando las nuevas tecnologías hacen que se le escape la mano al director hacia el mundo del videoclip del que proviene, como el momento de las letras por toda la oficina, interesante pero totalmente fuera de contexto.

Fincher falla por una de sus principales características: el exceso. Demasiada historia para no tener un final definido. Si, aviso a navegantes, el caso de Zodiac aún sigue abierto.

SPIDER-MAN 3*

2007-05-18T10:37:00.000-07:00

Vuelve el superhéroe más conocido del comic, vuelve una nueva aventura del hombre araña, Spider-man. Vuelve Sam Raimi, agrandando la montaña de basura que lleva realizando desde el 2002.

En efecto, Spider-man 3 es basura, mierda propiamente dicho. Es tremendamente difícil realizar una película tan sumamente mala, nada en ella es salvable.

Empezemos directamente por el propio protagonista, el actor Tobey Maguire, que ya demostró en la primera parte que era la persona menos propicia para encarnar a Peter Parker. Puede ser que Parker fuera algo torpe sin su traje de superhéroe, como la mayoría de los héroes, pero vamos, de ahí a la ridiculización que realiza Raimi ya desde la primera película es escandaloso. Maguire está muy bien para papeles como el de Las Normas de la Casa de la Sidra... pero su interpretación de Parker está totalmente descontrolada. Es paródico, ridículo, triste, sobreactuado, falso, poco creíble. Un verdadero pringado. Para más horror, a Raimi se le ocurre que en esta tercera, el nuevo traje de Spidey le hace más guay. No se en qué momento se le ocurrieron esas secuencias ni su planificación a Raimi, estaría muy fumado, pero son horribles... Si ya Peter Parker estaba ridiculizado, ahora ha sido arrastrado por el suelo, pisoteado, escupido y me atrevería a decir que hasta meado. La interpretación de Maguire solo puede provocar una cosa... risa.

Sigamos por el guión, que me parece increíble que lo hayan escrito tres personas, el propio Raimi, su hermano, y Alvin Sargent, escritor de varios melodramas entre los que destaca Infiel. Como no iba a ser menos, el guión también es malo, otros kilos de basura para la montaña. Su error principal, es, precisamente, intentar construir un guión bueno. Parece que, en general, suele haber una especie de trauma entre los directores que se afrontan a adaptaciones de comic por profundizar en la psyque del héroe, darle la profundidad que tendría en un drama, corroborar un cierto nivel intelectual, demostrar que no solo hacen una película palomitera. Pero es que tiene que entrar en la cabeza una cosa, por favor, ¡estás haciendo una película de un superhéroe, de acción, de puro espectáculo por el espectáculo!. Así Raimi se pierde en diatribas sentimentales de los personajes y sus relaciones ocupando más de la mitad de la película. Por dios, quiero ver peleas entre Spider-man y Venom. Me importa bastante poco el cuarteto amoroso entre Peter, Harry, Mary Jane y Gwen Stacy. Por un momento crees estar viendo una versión mala de Closer. Por otro lado está la aún más ridícula profundización en los villanos, cuyo móbil para serlo parece escrito por alguien con encefalograma plano. El Hombre Arena y su absurda cruzada contra la sociedad porque la sociedad es mala con él y no curan a su pobrecita niña. Pero más absurdo es la reacción de odio hacia Peter generada por el personaje interpretado por Topher Grace, el que se convierte en Venom... es que se ha descubierto que hizo un montaje. ¡Ja!.
También es ridícula la conexión, diría inconexión, con la primera película. Para justificar la transformación de Peter, aparte del fuel ese que es Venom, Raimi lo justifica sacándose de la gorrilla que el que realmente mató a su tío no era quién pensaba, sino otra persona. Lo que digo, encefalograma plano. Los fallos argumentales siguen y siguen, pero no puedo mencionarlos todos. Cerrar diciendo lo que es ya la culminación de la locura: el número musical de Peter.

Como no podía ser de otra manera, el apartado técnico también es basura. En los tiempos de Gollum, aún es increíble que Spider-man siga siendo ese muñeco de plastilina. puro 3-D que parece sacado directamente del videojuego. No han avanzado ni un poquito desde el primer Spider-man, no tengo otro remedio que pensar que lo hacen a propósito, lo que le hace aún más odioso. El resto de efectos especiales se realizan en su mayoría de noche, uff, que recurso más típico y facilón. Y cuando es de día, sigue notándose, en cada plano, dónde está insertado el efecto especial. Los de maquillaje, más de lo mismo. Creo que hubo muchas dósis de droga en esta producción. A quién se le ocurrió el maquillaje de Harry post-bomba y sobre todo el de Peter malote, ¡con rimmel incluido!, una especie de gótico pringado, patético.

En definitiva, y por no seguir destrozando más, que podía, concluir con una duda existencial...¿ cómo se puede hacer una película tan sumamente mala con 258 millones de dólares de presupuesto?

RETRATO DE UNA OBSESIÓN*

2007-05-14T09:03:00.000-07:00

Este melodrama con pretensiones imaginativas está más cerca de ser un telefilm que una película de arte y ensayo. Muy lejos de lo que la retratada, Diane Arbus, se merece.

Cuando se hace una película arriesgada se deben asumir varios riesgos obvios, y entre ellos está el de no hacer el ridículo. La idea de que Arbus se enamorara de un extraño hombre en su imaginación es algo diferente, incluso atrevido. Pero si haces que la famosa fotógrafa se enamore de Chewbacca, eso no es atrevido, es ridículo, muy propenso a la parodia. Y más si colocas frente al peludo a una superestrella como Nicole Kidman.

Otro error de Shainberg es la manera en la que infravalora al espectador. Otro síntoma telefilmero. El director nos posiciona desde el principio en que lo que vamos a ver no es un biopic real si no el acercamiento a la imaginación, un intento de de introducción a la mente de Diane Arbus. ¿Se cree Shainbergh con el suficiente poder para introducirse en una mente tan complicada como la de la fotógrafa?, demasiado autoestima. Deja que sea el espectador quien descubra, obviamente,que no es un retrato real. Y si de verdad es un retrato imaginario, tampoco te quedes a medio camino entre el realismo y la imaginación. Finalmente no distinguimos entre la vida real y falsa de la fotógrafa.

Por otro lado, esto de hacer semibiopics de autores me parece algo que no tiene mucha ética. Cuando finaliza Retrato de una Obsesión, pues lo mismo te da que te digan que es un biopic de Arbus cuando podía haber sido el de cualquier otra persona. Más bien son pocos los datos didácticos del film, demasiado centrado en el ridículo hombre peludo interpretado por Robert Downey Jr.

Únicamente salvar del filme los desnudos de Nicole KIdman, de una gran belleza, a pesar del escualido cuerpo de la estrella, que se muestra, como siempre, estupenda en su papel, tal vez con algún exceso lacrimógeno, pero muy correcta.

Mediocre biopic en el que se hecha de menos la muy posiblemente interesante vida real de Diane Arbus por los bajos fondos de Nueva York.

EL BUEN PASTOR* *

2007-04-12T11:22:00.000-07:00

Cuando un actor de la talla de Robert DeNiro, que ha trabajado con los mejores directores, se pone él mismo a dirigir, solo se puede esperar lo mejor, puesto que de los mejores ha aprendido. DeNiro derrocha, con El Buen Pastor, estilo y buen gusto . Pero de tanto que ha querido abordar, su segundo filme ha quedado tremedamente denso y difícil de digerir.

Es muy posible que yo sea el ignorante, pero para un servidor, El Buen Pastor son 167 largos y aburridos minutos de una historia complicadísima en la que al aparecer los títulos de crédito no me he enterado de nada. ¿cómo narices se creó la CIA? pues yo no lo he entendido muy bien. Esencial memorizar nombres desde el principio, y tanto salto en el tiempo vuelve loco a cualquiera. El nuevo film de DeNiro es un hueso duro de roer, y sobre todo de digerir. Por ello, para los intelectuales seguramente sea una obra maestra, pero personalmente no comparto la idea, a pesar de que DeNiro, como director lo hace muy bien, con mucho estilo como ya he dicho. Pero el guión del reputado Eric Roth ( Munich, Ali, Forrest Gump, etc) hace un trabajo aquí tremendamente opaco, denso, como una gran selva dónde es tremendamente fácil perderse.

Por otro lado tenemos al reparto, de prestigio, muy bueno. Pero definitivamente, Angelina Jolie es la mujer-rostro clave de la nueva mujer, y nunca, nunca, podré meterla en un film de época. Jolie es un retrato de la mujer de hoy, moderna, salvaje. Y no una mujer de los años 30. para muestra el cine de aquella época, ni siquiera las asalvajadas y exóticas Marlene Dietrich o Bette Davis eran semejantes a Angelina Jolie. Jolie es una buena actriz, pero está tremendamente descolocada en filmes de principios de siglo. Todos sus planos parecen sacados de una película ambientada en nuestro tiempo. fatal elección la de DeNiro para este papel.

El Buen Pastor es una muy buena película técnicamente y artísticamente pero con una historia tremendamente pesada para un tema como el nacimiento de la CIA. Menos saltos temporales hubieran mejorado mucho la película. Una buena pieza para aquellos que les gusten complicarse

DIARIO DE UN ESCANDALO* * * * *

2007-04-12T10:51:00.000-07:00

Nuevo duelo interpretativo de mano del director inglés Richard Eyre, a quién parece gustarle ver combates entre dos grandes actrices para ver quién gana. Mas bien le gusta ver si alguien puede con la inmensa Judy Dench, toda una devoradora de buenos papeles.
Pero esta idea no queda hueca sino que Eyre recurre a unos excelentes guiones, en esta ocasión encontramos a Patrick Marver, escritor y guionista de la obra de teatro Closer.

Como ya he dicho, Judy Dench, increíble, soberbia, con una mirada tan poderosa como la del mejor Jack Nicholson. Pero su partenier, Cate Blanchett (como anteriormente fue Kate Winslet en Iris, film anterior de Eyre), no se queda nada lejos de Dench en el nivel interpretativo. Blanchett borda el papel de Sheba, esa mujer tremendamente liberal pero encerrada en un mundo que ella no planeó. Sheba encontrará su salida en el menos indicado, el joven Steven Connolly ( Andrew Simpson, futura promesa), el tierno adolescente, la manzana del pecado. Y si no es fácil ya llegar a buen puerto, a Sheba se le entrometera Barbara Covett (Dench) , una mujer sola, que necesita, como el aire, una "amiga". Todo un cóctel narrativo llevado magníficamente en manos de Eyre. Las pasiones humanas llevados a un máximo exponente.

Bien se le puede tachar a Eyre de moderado, pero en realidad, el espectador ya sabe completar por sí solo lo que el director no nos enseña. Aunque es cierto que me sorprende el poco escándalo que ha suscitado el filme, que retrata la relación de una adulta con un niño de 15 años, cuando el mundo montó en cólera al ver a Nicole Kidman meterse en una bañera con un menor en Birth (Reencarnación).

Diario de un Escándalo es ágil, contando los puntos esenciales, sin detenerse, tal vez va demasiado deprisa pero eso ayuda a no caer en el aburrimiento, aunque por otro lado también provoque una cierta falta de conexión personaje-espectador. También hay que decir que la música es bastante molesta por su abundancia y barroquismo, algo más íntimo hubiera sido más eficaz.

Con todo, el tercer filme para cine de Richard Eyre resulta ser tremendamente intenso (posiblemente por su brevedad), y consigue su exacto punto de dramatismo. Desdibuja todo personaje moralmente para así acabar sintiendo pena por todos ellos. Aquí no hay buenos y malos, solo hay víctimas de la pasión.

300* * * *

2007-03-28T09:36:00.000-07:00

Después de sorprender con el remake de El Amanecer de los Muertos, Zack Snyder regresa con este peplum de corte fantástico sobre 300 tíos metidos de esteroides hasta el mismísimo culo y que se enfrentan a millones de pseudohomosexuales travestidos persas.

Por cierto, no haré ningún análisis comparativo con el comic de Frank Miller ya que no lo conozco, si bien debo partir de la premisa de que es casi una perfecta adaptación, viñeta por viñeta, bien. Pero comentaré la película, no el comic.

Snyder realiza un aunténtico espectáculo, puramente visual. Una especie de mezcla entre el claroscuro de Rembrandt y las elaboradas musculaturas de Miguel Angel, todo ello metido en una batidora junto a la más pura estética videoconsolera. ¿el cine del futuro?, lo dudo, pero sin duda una pequeña joyita experimental que abre la brecha a futuras obras de valor surrealista que pueden ser verdaderas obras de arte. Una técnica esta de los decorados chroma que puede resultar tremendamente interesante si se sabe usar, como es el caso en su mayor parte.

300 tiene momentos de verdadero arte audiovisual. Pero la película de Snyder también es un filme de extremos. Falla el equilibrio, posiblemente por una falta de presupuesto. Encontramos secuencias tan logradas como la de la tormenta en el mar, la mujer en el oráculo. Pero también encontramos cutreluxe en los decorados de algo parecido a la gomaespuma (al mas puro estilo de las series Xena o Hercules) o personajes como Ephialtes (el amorfo traidor) que su elaboración a base de látex hace que hasta suene cuando hace movimiento con el brazo, etc...

Tampoco me acercaré a las posibles interpretaciones del simple, en apariencia, texto de 300. Personalmente creo que es una historia architípica, que no cuenta nada nuevo, pero que deja espacio al puro artificio, al espectáculo visual. Pero el hecho de estar situada en los años que corren, esta historia de occidentales (llamalos espartanos, llamalos norteamericanos) que luchan por la libertad contra los orientales (llamales persas, llamales musulmanes), más la similitud final de Leónidas con Jesús, etc, hacen del texto que de pie a varias interpretaciones. Por cierto, sin olvidar un posible derechismo homófobo.
Pero bueno, interpretaciones que son bastante rebuscadas y que se escapan de la propia estructura aparente de la historia. Esto es la batalla de las termópilas, de espartanos y persas. El filme es pura leyenda, lejos de cualquier interpretación realista.

300 es un espectáculo visual, que si bien puede llegar a resultar cansino, se convierte ya en una auténtica obra de arte audiovisual sobre la técnica chroma. Lejos queda ya Sky Captain y el Mundo del Mañana. Ahora esperar a Sin City 2, otro ejemplo del buen hacer del chroma y los ordenadores.

EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA* * * * *

2007-03-02T14:25:00.000-08:00

Primera película de "ficción" para el realizador Kevin Macdonald, que nos llega desde el género documental. Esto se nota en esa genial falta de concesión al drama más simplon de la que hace gala esta magnífica película.

Además me resulta sorprendente el poder rítmico de un director que procede del documental, un género que normalmente es más dado a la lentitud de la realidad. Macdonald retrata hechos reales, la dictadura de Idi Amin en Uganda, pero no por ello pierde el sentido del dinamismo y construye una película que engancha desde el principio hasta el final. Un estilo directo, sin florituras.

En El Último Rey de Escocia hay, a mi parecer, dos vías narrativas que se chocan: Por un lado encontramos el viaje de Garrigan, un "niño" que llega a África pensando que hace la mayor obra de su vida, que se está ganando el cielo, algo que ve simple, inocentemente; pero se encuentra con una África que no era lo que él pensaba, una África que es destruida y que se autodestruye. En este descubrimiento de que no todo es un simple juego de poner vacunas, Garrigan encuentra la madurez que en su acomodada Escocia no iba a encontrar. Por otro lado tenemos a Idi Amin, un hombre que no lo tuvo tan fácil como Garrigan, un hombre al que la vida le obligó a madurar demasiado pronto, y que en un principio luchó por llegar al poder para cambiar las cosas. Sin embargo ese hombre, temeroso de sus enemigos, de su muerte, y nublado por la riqueza se vuelve un codicioso niño, un niño que no piensa, enloquecido por el poder de hacer lo que él quiere. Dos caminos inversos que sólo pueden chocarse y nunca ir paralelos.
Un extraordinario retrato de la locura y ambición del poder en un país sumido en el caos de los intereses externos.

Una pena que de esta película al final sólo quede para el recuerdo el oscar y todos los premios que le siguen de Forest Whitaker, quien da vida al dictador africano. Una actuación que de acuerdo, es muy buena, sobre todo en los momentos de locura del dictador, pero vamos, tampoco es la actuación del siglo. A la misma altura que él está el olvidado James McAvoy, que hace de Garrigan, y por cierto, el verdadero protagonista del filme, con el que se inicia y se acaba el relato. Felicitar también una cuidada y excelente fotografía de Anthony Dod Mantle, que tiene entre otros trabajos Manderlay, 28 Días Después, etc.

Imprescindible película, al margen de la buena interpretación del ya conocidísimo Whitaker, tanto por su importante mensaje y retrato de la sociedad africana como por su extremado entretenimiento.

JUEGOS SECRETOS* * * * *

2007-02-16T08:51:00.000-08:00

Vuelve Todd Field tras una larga ausencia desde el 2001, cuando estrenara la magnífica En La Habitación. Vuelve con un triste retrato de una clase media cada vez más perdida.

Juegos Secretos, o Little Children (título original), es, sobre todo una historia de algo tan conocido como desconocido: el Sexo. Un aspecto de nuestras vidas que cada vez adquiere mayor relevancia social y que lo único que está haciendo es volvernos bastante trastornados. Somos, como indica el texto, sexualmente pequeños niños, para los que la sexualidasd es un mundo magníficado en el que decir pito y chocho es tremendamente atrevido pero jugosamente divertido. El sexo ocupa, además, el 90% de nuestras obsesiones. En el filme están tan enfermas las tres reprimidas del parque, como el pervertido. Todos son pequeños niños con la consecuente magnificación de los aspectos más tipicamente tabú como son el sexo.

A esto también juegan el cuarteto protagonista, dos parejas que no encuentran su vida sexual y deben encontrarla fuera de sus fallidos matrimonios, aunque tristemente esto no responden más que al juego secreto sexual, juegan como los niños a ser malos, sobre todo él, más que ella, que realmente lo tiene complicado con su marido, un cachondo enamorado de una modelo de internet. La dualidad entre la madurez y la niñez es una constante durante todo el filme.
Las consecuencias de estos locos juegos sexuales es la del "pobre" pervertido, que incapaz de relacionarse (por la presión que la sociedad y su madre ejercen sobre él), ve en el exhibicionismo su escapatoria, víctima de una sociedad hipócrita sexualmente obsesionada en su mundo interno pero tremendamente puritana de puertas afuera.

Este es uno de esos filmes llenos de contenido argumental, pero es que además, Todd Field consigue una magistral realización de la historia, con un montaje maravilloso y una maravillosa dirección de actores. Felicitar sobre todo los trabajos de Kate Winslet, que va camino de convertirse en la futura Meryl Streep por la calidad de sus papeles, y a Jackie Early Haley, sorprendentemente contenido, abstraido,realista, un auténtico pervertido sexual.

De nuevo Todd Field hace una de las mejores películas del año, como ya hizo con En La Habitación en el 2001.

EL TRUCO FINAL* * *

2007-02-16T08:24:00.000-08:00

Christopher Nolan es uno de los grandes innovadores e inquietos realizadores de nuestro tiempo, tiene claro que lo suyo son los thrillers, pero siempre intenta abordarlos desde el punto de vista más innovador. Fue uno de los pioneros que puso de fama las películas cuyo texto iba desde el final hasta el principio con Memento, después abordó una de detective y asesino en un lugar dónde siempre era de noche en Insomnia. Revolucionó al clásico Batman y ahora aborda un thriller en un mundo del todo desconocido para el espectador, el universo de los magos o ilusionistas.

En ese aspecto Nolan se siente muy libre artísticamente ya que el tema es novedoso y poco explorado. Pone en juego una gran escenografía mágica, sólo que la historia es totalmente previsible desde la primera hora de filme. En ese sentido, el truco final, el prestigio de Nolan, se hace demasiado previsible y carente de originalidad.

Nolan recurre a una estructura no lineal, un puzzle, al estilo Arriaga, para tal vez entretenernos, como un buen mago, para no descubrir su sorpresa final, por lo que al final carece de sentido ese desorden ya que no es efectivo. Como ya he dicho, lo verdaderamente interesante de este film es su puesta en escena: los shows de ambos magos (y sus magníficos intrusismos), la construcción de unos personajes místicos, intrigantes, personas cuyo conocimiento del mundo está tan alejado del nuestro y sin embargo tan cercano. Alabar en este caso también la magnífica fotografía de Wally Pfister, habitual colaborador del director.

Gracias a esa magnífica construcción de cada personaje, todo el reparto se luce: Hugh Jackman (cada vez más parecido a Eastwood, ver Fotogramas de Febrero), Christian Bale, Scarlett Johanson, y destacar el misticismo de David Bowie, que quienes no le seguimos musicalmente, hemos descubierto de verdad ese rostro que te agarra y no te deja, obligándote a mirarle continuamente, sin duda el rey de los robaplanos. Curiosa pareja Bowie-Serkis (gollum).

Interesante y original film que peca tristemente de ser demasiado previsible.

DREAMGIRLS* *

2007-02-05T02:43:00.000-08:00

Es extraño como un cineasta como Bill Condon, guionista de Chicago y artífice de la interesante Dioses y Monstruos, ha abordado su propio musical (también adaptado de un musical de teatro) convirtiéndolo en el más aburrido, monótono y falto de sentimiento musical que he conocido hasta el momento. Muchos consejos podía haberle pedido a Rob Marshall, director de Chicago.

Dreamgirls es, desde que fue concebida para llevar al cine, la versión negra del musical de Chicago, intentando seguir la jugada de este y encajarla directamente como favorita en los Oscars de este año. No sé si por despreocupación de los productores o del propio director siendo conscientes de que ya iba a ser una de las favoritas a los oscars, pero finalmente ha quedado una película totalmente descuidada.

La película comienza de manera excelente, con esa sensación de que vas a ver una importante película retrato de la música negra de los 50-60-70, la aventura de un trío de chicas que van a luchar por encontrar un hueco en un panorama difícil para los negros. La película tiene toda la pinta de seguir la estela de Chicago, canciones insertadas pero que aportan o son un espejo de lo que está ocurriendo en la historia mezclado con elaboradas escenografías.

Sin embargo, las pretensiones de Condon van más allá y quiere hacer un musical clásico, de canciones insertadas y canciones que forman parte del propio diálogo de los actores. Bien, una buena opción. Pero no sé que pasa, que en casi ningún momento consigue despuntar, ningúna canción es lo suficientemente emocionante (a excepción de los dos únicos momentos sensibles: Jennifer Hudson y su I'm Telling You I'm not Going y Beyoncé y su Listen) el resto de la película es un cúmulo de canciones similares, las insertadas (las que se refieren al propio show de las Dreamgirls, no aburren) pero todas las cantadas como diálogos son horrorosas, propias de algún típico especial de navidad de alguna cadena pública, especialmente Patience y We Are a Family, que al margen de simples escenografías, su simpleza abruman y aburren de sobremanera.

Los méritos de Dreamgirls, haber descubierto al mundo entero a la impresionante Jennifer Hudson, la única que consigue despuntar en un filme monocolor. También agrada descubrir a un Eddie Murphy cantando, y haciéndolo bien. Por otro lado está la gran star de la función, Beyoncé Knowles, correcta y muy bella como siempre (cuando sale maquillada). Es de aplaudir en ella además el desarrollo y el carisma que otorga a su personaje, la diva muñequita de otros, es interesante a nivel de actuación cómo pasa de inocente aspirante a estrella a consolidada y madura cantante. Realmente creíble, una cuidada representación de Diana Ross. ¿Por qué no consiguieron hacer de verdad un biopic de la actriz en vez de esta descarada imitación?

Monótono y descuidado film del que se podía haber sacado muchísimo más jugo.

APOCALYPTO* * * *

2007-02-05T01:58:00.000-08:00

Se pueden decir muchísimas cosas sobre Mel Gibson, pero es indudable, por mucho que les pese a algunos, que es uno de los mejores y más interesantes directores de la última década. Ya despuntó y ganó el Oscar en Braveheart, su primera película como director, y con La Pasión de Cristo, apartando el sensacionalismo oportuno, que nos descubrió o nos redescubrió una cultura que gracias a la biblia teníamos como muy idealizada, nos enseño una elegancia en los encuadres y un misterio dignos de aplauso.

En Apocalypto Gibson usa las mismas herramientas que con La Pasión de Cristo: encuadres magistrales, maravillosa fotografía (Dean Semler hace su mejor trabajo hasta el momento) y de nuevo usa la violencia y un idioma de una lengua muerta como reclamo a los curiosos y de paso aportar realismo e intelectualismo al asunto.
Pero Apocalypto es una historia muy distinta, el polo opuesto a La Pasión de Cristo, tanto en argumento como en ritmo. Cristo es un heroe que, cuando lo van a plastar, se entrega sin oposición, asume su destino de tener que morir crucificado, para ello Gibson crea una atmósfera triste, aústera, lenta. Intentado retardar ese trágico final, mostrandonos lo más cruel de la redención de ese mesías que había venido a salvarnos. En Apocalypto, sin embargo, el personaje principal, no puede asumir su destino de morir frente a alguien más poderoso, este tiene que sobrevivir y escapar. El tiempo corre en su contra, por lo que el ritmo de la película es acelerado, no da tregua a tiempos muertos.

Por ello Mel Gibson construye una película llena de ritmo y dinamísmo, brutal, pero realista. El retrato de una cultura primitiva entregada a los sacrificios a los dioses, sin perder nunca el aspecto de ganancia personal, esencial en cualquier humano de cualquier época. Un bonito retrato de la supervivencia extrema por lo que uno más quiere. La búsqueda del valor para afrontar los propios problemas.

En contra de la película, bastante poco en realidad. El uso del maya para dar mayor realismo a la película puede parecer pretencioso, si bien es efectivo. Auque tanto Gibson como Farhad Safinia (la co-guionista) tal vez pequen de construir diálogos demasiado occidentales, modernos, perfectamente traducibles a una historia ambientada hoy en día. Por otro lado no estoy de acuerdo con la visión de la niña misteriosa y enferma que se encuentran en el camino, que resulta como demasiado insertada.

Gibson usa, además, y de manera muy acertada actores desconocidos y en la mayoría de los casos primerizos, a verdaderos indígenas de la población, consiguiendo sacar de ellos una realista interpretación.

Mel Gibson vuelve a sorprendernos con su tercer proyecto como director y de paso nos retoma una importante lección: A una civilización no se la puede destruir si antes no se destruyen entre ellos. Dejemos de discutir entre nosotros porque solo conseguimos hacernos más débiles.

BANDERAS DE NUESTROS PADRES* * *

2007-01-25T12:00:00.000-08:00

El cine bélico es un género dónde cada vez resulta más difícil, por no decir imposible, ser original. Aunque no por ello estas nuevas películas tienen que dejar de ser interesantes, siempre y cuando tengan algo, por pequeño que sea, de originalidad y no sean un calco. Para Clint Eastwood, y por extensión para los guionistas Paul Haggis y William Broyles Jr., el género se les ha echado encima y no han hecho más que un calco de tópicos del mismo. Es cierto que todas las guerras son igual de horribles y en todas pasa lo mismo, por ello, no hace falta repetir siempre que al que echa de menos a la novia se muere horriblemente, o el más inocente del grupo, que luego siempre es el que tiene la muerte más horrible, etc... Un mundo de tópicos trillado.

Si bien Eastwood esta extremadamente influenciado en el rodaje de la parte bélica por el productor Spielberg. En el plano dramático vemos el buen hacer de Eastwood. Y es que Clint no está hecho para grandes superproducciones. Todos los elementos que conforman la formación de los heroes de Iwo Jima, el conflicto interno de al menos el soldado indio Ira Hayes y en general, toda esa desmitificación inicial convierten a Banderas de Nuestro Padres en una película diferenciada de otras del género. Esta es una película valiente para el público norteamericano. Una pena que finalmente a Eastwood le salga la vena profunda y acabe con esa desmitificación, Por que tal vez no fueron heroes nacionales esos tres soldados protagonistas que alzaron la bandera por segunda vez, sino que los heroes nacionales son todos los soldados norteamericanos que sacrifican su vida para que la familia media americana sea feliz.

Interesante retrato de la propaganda, del poder de la imagen, pero típica película bélica que en lo que al género se refiere, aporta más bien poco. Veremos que pasa con Letters from Iwo Jima, ahora que William Broyles JR y su saco de tópicos abandona y es sustituido por Iris Yamashita.

Con respecto al resto de aspectos de la película, la fotografía me resulta bastante monotona con esa especie de blanco y negro ligeramente verde y con algún ápice de color y un excesivo granulado. De encuadres no digo nada, valgame no contradecir a un genio cómo Clint Eastwood. Y de nuevo consigue también explotar al máximo a sus actores, esta vez bastante desconocidos. Destaca Adam Beach, que si no hubiera sido por el nefasto doblaje, me hubiera gustado mucho más.

Regular filme, muy por debajo de las expectativas creadas.

MARIA ANTONIETA* * * *

2007-01-18T12:04:00.000-08:00

Tras las modernas e intimistas Las Vírgenes Suicidas y Lost In Translation llega la historia de la reina guillotinada del s.XVIII María Antonieta, aunque no por ello, Sofía Coppola tiene porque dejar de ser moderna e intimista, eso sí, mucho más pomposa.

El principal mérito aquí de Coppola radica en su equilibrada mezcla de lo moderno y la ambientación Kitch del Versalles de la corte borbónica francesa. Que en reealidad, era más moderna que muchos de los modernos de hoy en día. La mezcla puede resultar pretenciosa por parte de la oscarizada hija de Francis Ford Coppola, pero bueno, no necesariamente, ya que lo que nos demuestra es un enfoque distinto y sin embargo más realista que ningúna otra película sobre esta reina.

Maria Antonieta no es una aburrida película sobre una sosa pero elegante reina de Inglaterra, sino que es la historia de una niña que se ve abordada por la pomposidad y el descarado derroche de una corte que vive en su propia burbuja. Así, María Antonieta tiene que enfrentarse a ese nuevo mundo, cargando con un frígido marido y la presión de mantener su posición, aguantar los cientos de protocolos, etc... Es normal que una chica tan joven, que lo tiene todo, se revelara ante la corte, convirtiendose en una niña irresponsable y caprichosa. Aunque como toda joven rebelde, la vida da un giro, y lo que un día fueron desfases y vicios, se convierte en responsabilidad, se convierte en hijos y vida familiar. Coppola retrata la madurez, las distintas etapas del crecimiento de una niña que lo tiene todo. Casi se podría decir que es semi autobiográfica... Sofía no es una reina, pero si la hija de uno de los directores más importantes de la historia del cine y creo que no le ha faltado nada en la vida más que disfrutarla y vivirla a tope al son de música de los 70 (incluida en la película también)

María Antonieta es una rocambolesca película de un mundo-burbuja donde la pomposidad y el rococo eran sus señas de identidad. Una perfecta ambientación del Versalles del s.XVIII y de las vidas de desenfreno de los que allí vivían. Champán y dulces para todos.

BABEL* * * *

2007-01-18T11:35:00.000-08:00

Nuevo proyecto para el tándem Alejandro González Iñarritu-Guillermo Arriaga, pero Iñarritu parece ser el que se está llevando todos los méritos de esta excelente película que es Babel, olvidando a su guionista, que es el pilar base del film. Arriaga ya ha demostrado por separado que sus guiones son de una alta calidad en la muy recomendable Los Tres Entierros de Melquiades Estrada. Mientras que Iñarritu, que si ha trabajado en películas por separado, no ha conseguido el mismo reconocimiento. Sin duda Iñarritu se merece las alabanzas que tiene, pero tal vez habría que mencionar más veces al guionista Guillermo Arriaga, que personalmente creo que es él el que otorga la fuerza a las películas de Iñarritu.

Guillermo Arriaga nos trae de nuevo una película-puzzle, dónde al principio todo parece incoherente pero nos otorga el poder de ir reconstruyendo la historia por las nuevas pistas que nos va dando, aunque sin embargo, este es un puzzle mucho más fácil que 21 Gramos o Amores Perros. En Babel es más importante centrarse en lo que se cuenta en el momento, y no descentrar al espectador haciendole recordar lo hasta ahora visto y rehaciendo la historia en su cabeza. Porque Babel es una película que grita a los cuatro vientos comunicación.

Mediante la escenificación en tres lugares totalmente dispares, Arriaga nos enseña un mundo globalizado, de iguales, pero tremendamente incomunicado. No nos entendemos porque no nos escuchamos. No es que Dios en la torre de Babel nos diera idiomas distintos, tras ver la película me pongo a pensar en que en realidad, Dios nos otorgo el egoísmo en ese momento, lo que nos provocó sólo querer hablar, pero nunca escuchar. Todos los males del mundo surgen de ese egoísmo. De la falta que nos hace escucharnos los unos a los otros, comunicarnos. Algo que ya sugirió M. Night Shyamalan de manera muy distinta en La Joven del Agua.

Alejandro González Iñarritu otorga al filme su indudable estilo visual, de corte tremendamente naturalista, dónde no nos parece estar viendo ficción (sino sería por la trabajada fotografía de Rodrigo Prieto). A esto contribuye además, su excelente labor con los actores, de los que sabe sacar lo mejor de ellos. Brad Pitt sorprende gratamente (por fin llora de manera natural) y en general el resto de actores estan todos estupendos, destaca Adriana Barraza y la joven japonesa Rinko Kikuchi.

Babel es una película que hay que ver, independientemente de que te guste o no el cine de Iñarritu-Arriaga, o de algunos agujeros en el guión. Pero es que escenas cómo la de la discoteca o el abandono en el desierto son obligatorias y por supuesto deberiamos quedarnos con su mensaje, debemos abandonar este mundo llamado Babel.

CÁNDIDA* * * * *

2007-01-13T09:38:00.000-08:00

Gullermo Fesser, componente del dúo cómico Gomaespuma y hermano del director Javier Fesser, nos trae su ópera prima en la dirección: Cándida, la historia de Cándida Villar, mujer que trabajó en la vida real cómo asistenta en casa de Fesser.

Guillermo ha declarado en varias entrevistas que esta es una película en honor a todas las asistentas de España. Pero además, Cándida es un retrato de una España que sigue siendo muy común, la España de Extrarradio, esos lugares plagados de mujeres cómo Cándida Villar, mujeres mayores cuya procedencia es de pueblo y sus manos están hartas de limpiar para señoritos, palabra muy común entre estas respetables señoras. En muchos casos, como Cándida, deben cargar además con una familia que no es del todo común: Hijos retrasados, drogadictos, etc... Barrios cargados de mujeres luchadoras, y que cuyo mejor y mayor valor es su inocencia, su humildad, y su falta de conocimiento de lo reconocidas que deberían estar. Creen que la vida es así, e intentan llevarla de la mejor manera posible, aunque nunca se achantan y tiran pa'lante, venga lo que les venga.

Guillermo y Javier han escrito un entrañable guión, que a pesar de ser una comedia, contiene un alto grado dramático, y no sólo en momento claramente establecidos, sino precisamente, el mayor drama se encuentra en algunos momentos cómicos. Esa especie de risa trágica.

Pero a pesar de ser una buena historia, a Fesser le ha fallado el resto. No ha acertado a la hora de elegir el estilo visual, la dirección de los actores y el casting es bastante desacertado. La mayoría de los actores sobreactuan excesivamente, especialmente el actor televisivo Raúl Peña, que tenía la importante tarea de representar a un drogadicto, y el único momento creíble de su actuación es cuando está en la cárcel, y emociona gracias a la música. El único descubrimiento, y porque es ella misma, es la gran Cándida Villar, merecedora de ser un personaje que pase a la historia del audiovisual. Pena de promoción posterior y de realización.

Siento decir que si la película hubiera sido dirigida por Javier Fesser, con su estilo tan personal, la película hubiera sido otra cosa y hubiera llegado a más gente este maravilloso personaje que es Cándida, a la que pertenecen enteramente estas cinco estrellas, ignorando la media calidad del filme.

CASINO ROYALE* *

2006-12-17T08:55:00.000-08:00

Martin Campbell, experimentado director de acción, con una de Bond ya en su filmografía y Límite Vertical o Vidas Ajenas entre otras, ha hecho más de lo mismo con Casino Royale, elaboradas secuencias de acción aunque carentes de mucho sentido.

La verdad es que se me hace difícil comentar un filme del agente James Bond, ya que este es el primer film que veo entero de él, por lo que la valoraré como película independiente a una saga.

Así Casino Royal es una película repetitiva con una estructura simplona, con escenas de acción tremendamente preparadas y antinaturales, incoherentes con la siguiente secuencia, normalmente seria y tranquila. Se desarrolla: Acción-¿thriller?, con incursiones románticas aquí y allá metidas con calzador.

Desde el arranque, con un blanco y negro extremadamente rancio, hasta el final, con una secuencia que alarga y desvaría la película, la historia se desarrolla sin demasiado enganche.

Sin embargo me gusta ese cambio de aire en el protagonista, la elección de Daniel Craig ha sido un acierto, sobre todo si lo comparamos con el desagradable Pierce Brosnan y sus predecesores, exceptuando claro Sean Connery, que si bien no se cómo lo hacía, su aspecto físico era más acertado, y seguramente actuando también fuera mejor. Pero el atrevimiento, sin embargo, de cambiar el estereotipo de chica Bond, mujer asiliconada por Eva Green no me ha cuajado. Esta bien que busquen a chicas naturales, pero las hay más guapa y esbeltas que Eva Green, excesivamente escualida y carente de una sensualidad extraordinaria.

Creo que Casino Royale no deja de ser una más de James Bond: escenas de acción artificiales, coches y localizaciones bonitas y escenas eroticas de efecto relajante. Un film bastante hueco, que no llega ni a entretener.

EL CAMINO DE LOS INGLESES*

2006-12-17T08:25:00.000-08:00

Si de algo se puede pecar más grave que de ningúna otra cosa, es de abordar la realización de un filme de manera pretenciosa y excesiva. El Camino de los Ingleses es todo esto, y encima lo completa una historia nada pretenciosa ni excesiva con lo que la mezcla es un cóctel de basura.

El último de film de Antonio Banderas quiere ser tan intenso visualmente que el excesivo contenido del complicado guión queda relegado a un décimo plano, por lo menos. Así, no hay quién se entere de la profunda historia que después podamos reflexionar.

Pensando en El Camino de los Ingleses, me viene a la cabeza un film cómo La Pasión de Cristo, dos films cuya belleza visual es innegable, pero aunque además les diferencie dos historias completamente distintas, hay algo más: En la película de Mel Gibson, lo visual era la baza principal que suponía la supremacía sobre el texto, que estaba en arameo y latín, y era un coñazo para todos tener que estar leyendo subtítulos, por ello dotó a sus películas de poco texto y mucho contenido visual, cuyo cuidada realización era delicia para los ojos. El Camino de los Ingleses sigue la estela de esa belleza visual estilizada, con encuadres muy correctos y preparados. El problema es que además Banderas ha dotado a su filme de un texto tremendamente farragoso, poético y muy significativo. Entonces tanta intensidad provoca más bien la locura en el espectador y le aleja más que acercarle a la historia. Banderas ha querido hacer demasiado, y eso ha jugado en su contra. Después de la primera media hora, con cada cámara lenta y encuadre con una fotografía saturada, maldices los casi 6 euros que te ha costado entrar.

Lo único bueno que podemos extraer de este films es descubrir, que los jóvenes actores televisivos sabén hacer algo más que personajes estereotipo, vamos, que saben actuar. Una sorpresa ver a un bueno Alberto Amarilla después de su horrible papel en la serie Mis Adorables Vecinos.

El camino de los Ingleses es un excelente conjunto de planos, pero Banderas tiene que encontrar la contención artística, el cine no es un videoclip. Una decepción después de su excelente Locos en Alabama.

EL PERFUME* * *

2006-12-12T08:29:00.000-08:00

Tom Tykwer, director de origen alemán ha sido el encargado final de la dificilísima adaptación al cine de la novela El Perfume: Historia de un Asesino. Una historia, que de por sí es difícil de adaptar, me es incluso difícil de comprender su redacción. Porque ¿cómo llegar a hacer sentir el olor más maravilloso del mundo?, ¿cómo describirlo?. He de confesar que no he leído el libro de Patrick Süskind, por lo tanto no sé las sensaciones que él consigue crear en el lector con su novela. Pero si la misión de Tykwer era trasladar esa sensación a la gran pantalla, no lo ha conseguido.

Técnica y artísticamente la película es una joyita. Posee encuadres bastante originales para los tiempos que corren. A veces peca de artificialidad (la sorprendente secuencia del bebé en la casa de acojida cuando agarra el dedo de otro niño) y en unos casos le sale redondo, cómo la secuencia anterior, pero, según va avanzando la película a Tykwer se le acaban los recursos estilísticos y comienza a repetirse; llega un momento en el que acabas empachado de tanto plano de la nariz del protagonista o tanto travelling marciano. Otra estrella del film es sin duda la fotografía, de mano de Frank Griebe, la caprichosa oscuridad resulta excelente.

Pero como con los planos, la historia en el film se va desinflando según van pasando los minutos. Cuando llega su resurgir argumental, Tykwer roza la excesividad y las secuencias finales resultan paródicas, tremendamente artificiales, reventando así una interesante película.

Los actores de la película es otro punto fuerte. Ben Wishaw está realmente espléndido situando su asesino a los altos niveles de otros celebrísimos asesinos (Hannibal o Norman), aunque sin alcanzarles claro.

Interesante película pero es una pena que vaya cuesta abajo. También hay que decir que es un trabajo casi imposible adaptar una novela como El Perfume. Tykwer aprueba.

LO MEJOR DE 1999-2006

2006-11-24T12:06:00.000-08:00

Aquí presento las películas que me parecen imprescindibles ver en esta primera mitad de década:

-Moulin Rouge (Baz Lurhman, 2001)
-La Milla Verde (Frank Darabont, 1999)
-Malena (Giusseppe Tornatore, 2000)
-Dogma (Kevin Smith, 2000)
-En La Habitación (Todd Field, 2001)
-Hable Con Ella (Pedro Almodóvar, 2002)
-Las Flores de Harrison (Elie Chouraqui, 2000)
-Piedras (Ramón Salazar, 2002)
-Iris (Richard Eyre, 2001)
-El Pianista (Roman Polanski, 2002)
-Los Otros (Alejandro Amenábar, 2001)
-Sleepy Hollow (Tim Burton, 1999)
-Apocalypse Now Redux (Francis Ford Coppola, 2000?)
-Camino a la Perdición (Sam Mendes, 2002)
-Bajo Sospecha (Stephen Hopkins, 2000)
-Mulholland Drive (David Lynch, 2001)
-Tigre y Dragón (Ang Lee, 2000)
-El Viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001)
-Montruos S.A. (Pete Docter, David Silverman, Lee Unkrich, 2001)
-Amelie (Jean Pierre Jeunet, 2001)
-The Million Dollar Hotel (Wim Wenders, 2000)
-En Un Lugar de África (Caroline Link, 2001)
-Última Llamada (Joel Schumacher, 2002)
-Buscando a Nemo (Andrew Stanton, Lee Unkrich, 2003)
-Lost In Translation (Sofía Coppola, 2003)
-Big Fish (Tim Burton, 2003)
-¡Olvidate de mí! (Michael Gondry, 2004)
-Mar Adentro (Alejandro Amenábar, 2004)
-El Bosque (M Night Shyamalan, 2004)
-Melinda y Melinda (Woody Allen, 2004)
-Million Dollar Baby (Clint Eastwood, 2004)
-Entre Copas (Alexander Payne, 2004)
-Codigo 46 (Michael Winterbotton, 2003)
-Tapas (Jose Corbacho y Juan Cruz, 2005)
-Match Point (Woody Allen, 2005)
-Crash (Paul Haggis, 2005)
-Buenas Noches y Buena Suerte,( George Clooney, 2005)
-Volver (Pedro Almodóvar, 2006)
-La Joven del Agua (M. Night Shyamalan, 2006)
-Scoop (Woody Allen, 2006)
-Borat (Larry Charles, 2006)

BORAT* * * * *

2006-11-24T11:30:00.000-08:00

Tras una simplona y poco cómica película cómo fue Ali G Anda Suelto, Sacha Baron Cohen nos da lo mejor de él. Un film cómico de principio a fin, pero sin perder su inteligencia.

Borat ha sido alabada y criticada casi por iguales. Ya tiene protestas por todo Kazajistán por el tratamiento que Cohen hace de su país, también han protestados los formalistas porque la película se encuentra repleta de contenido antisemita y el director y guionista recurre a chistes fáciles y escatológicos. pero eso no es más que la punta del Iceberg, creo que esas personas debieran de intentar ver la película con una visión más crítica de lo que en realidad Sacha Baron Cohen quiere mostrar al mundo con su personaje Borat.

Escatológico, si bien, escenas como la del ano son dignas de vomitar y realmente no hacen gracia. Pero casi me da más ganas de olvidar y vomitar viendo las escenas de esos norteamericanos en pleno extasis en una especie de misa-secta sobre el poder de Cristo. O a cientos de personas alabando en un rodeo que se digan cosas cómo que en Irak maten ya a todas las mujeres, ancianos y niños.

Está claro que Kazajistán, por otra parte, no es cómo Baron Cohen nos la describe, pero sin duda es la visión que muchísima gente tiene sobre la mayoría de los países del este: Paletos que viven mucho menos desarrollados que nosotros, que tienen pseudocasas y que van en carro en vez de coches. Esa es la kazajistán que se imaginan los americanos, y por supuesto nosotros mismos, que la mayoría no sabríamos ni situar en un mapa.

Así, desde el absurdo retrato de lo que pensamos que puede ser un país como Kazajistán, Sacha nos muestra quién está más loco aquí: los que suponemos subdesarrollados e ignorantes que se enrrollan entre hermanos y viven en chozas. O la cream de la cream, aquí EE.UU. pero que perfectamente podía extenderse a la mayoría de lugares desarrollados, que al final son igual de paletos, o seguramente más.

No creo que los Kazajos se tengan que sentir ofendidos con Sacha Baron Cohen por retratarles de esa manera, si no que deberían de sentirse ofendidos con nosotros por verdaderamente creer eso.

Borat es un interesantísimo falso documental que llega para abofetear mediante la comedia a mentes ignorantes de lo que hay más allá de nuestras fronteras y cómo nos dejamos caer en los tópicos. Pena que mucha gente se pierda en el camino y tan sólo se quede con los chistes más o menos fáciles y los escatológicos.

THE QUEEN* *

2006-11-24T11:02:00.000-08:00

Stephen Frears nos trae en su última película uno de los acontecimientos que más conmocionó al mundo de los últimos años. Por no decir el momento culminante de los años 90: Los días posteriores a la muerte de Diana de Gales, la "princesa del pueblo". A pesar de lo interesante de la historia con respecto a lo que le tocó a la Familia Real Británica, el film no puede despegarse de la sombra de un telefilm, ni de una entrega al más puro morbo. Eso si, una entrega muy contenida, recordemaos que es una intromisión a la vida de una reina aún viva.

Cómo ya pasaba el año pasado con Truman Capote, lo único que sostiene esta película es la excelente interpretación de su protagonista, Helen Mirren. Por otra parte esta el morbo de poder echar un vistazo en la vida de una mujer tremendamente conocida pero sin embargo una gran desconocida.

En cuanto al tema principal, Frears es bastante respetuoso y no entra en el juego de intrigas palaciegas, de complots de asesinato encubiertos ni nada por el estilo, si bien también peca de ser excesivamente respetuoso con el tema en lo que respecta a la reina, puesta como una mujer fría y sacrificada que sólo mira por el bien de sus nietos.

Otro punto en contra del filme radica en la excesiva atención de la caracterización de la reina Isabel II, mientras que falla tanto en la elección como en el tratamiento, Carlos y un Tony Blair correcto pero poco parecido. En general, la única que se parece es Helen Mirren y James Cromwell como el marido de la reina.

Interesante historia la que Frears nos cuenta pero tal vez demasiado centrada en Helen Mirren como Isabel II, ignorando en cierto sentido el relato. Pero es que The Queen sería un telefilm de nivel medio sin la realista interpretación de Mirren. Falta más atrevimiento y atención a la historia que se nos cuenta.

VA A SER QUE NADIE ES PERFECTO* * *

2006-11-19T03:32:00.000-08:00

Extraña comedia la que nos trae Joaquín Oristrell, que camina a caballo entre la comedia española a lo Pajares y Esteso y una comedia americana de los años 90.

Como últimamente está pasando en nuestra filmografía nacional, estamos en esa transición extraña entre lo rancio del último cine español y un cine moderno, juvenil, que atraiga, cuya guía principal es la producción estadounidense, reina de las taquillas. Como ya ocurriera con Reinas, también guión de Oristrell, Va a ser que Nadie es Perfecto, se encuentra ahí, en un "quiero y no puedo" despegarme del olor a rancia comedia española.

Aunque bien hay que reconocer que Oristrell también sabe sacar su gracia de esta cultura nuestra, y nos hace reír con el retrato de este país: fanfarronear, ligotear y hablar mal. Y esto, mezclado con chistes mas o menos ingeniosos sobre discapacitados físicos, siempre sin perder el respeto, pues es efectivo y la película consigue sacar las risas, única pretensión de esta comedia ligera.

Hay que elogiar también el trabajo del trío protagonista, que lejos de interpretar histriónicamente, de manera falsa, a un cojo con mala ostia, un ciego, y un sordo. Actúan con un realismo correcto: las gracias están en los diálogos, no en las propias discapacidades. Destacar la transformación en la voz de Santi Millán.

Pincha, por tanto, la dirección artística y la musical, que es sobre todo la que le da esa incoherencia entre lo moderno y lo rancio. Una discoteca que parece moderna y en su interior hay música española de los 80-principios de los 90...

Comedia ligera, entretiene, pero sin duda no es, ni mucho menos, una obra maestra. Destaca la escena del ciego conduciendo el coche.

SCOOP* * * * *

2006-11-10T10:49:00.000-08:00

Tras una obra sublime como fue Match Point, vuelve un Woody Allen que a mí especialmente me gusta más, vuelve la comedia de diálogos rápidos, ágiles y de ese excéntrico neurótico delgadurrio y de gafas grandes llamado Woody Allen.

Si Match Point ya era heredera de otras películas de Woody Allen, Scoop se podría decir que es, en cierta medida, heredera directa de Misterioso Asesinato en Manhattan y de nuevo el pardillo se hace pasar por la alta clase, como recientemente veíamos en Granujas de Medio Pelo.

A primera vista, Scoop nos puede parecer la típica película de dos personas que investigan a una tercera para saber si este es un famoso asesino. Pero de nuevo, Allen da un vuelco a la película y la convierte en una original comedia e introduce la idea de que esas personas anónimas sean guiadas por el espectro de un famoso periodista muerto que no para de escaparse del barquito de la muerte hacia el más allá.

Como ya he dicho esta es una comedia rápida, que no deja descansar y dónde diálogos ingeniosos llenos de sarcasmo, elegantes, se entrecruzan. Donde el nerviosismo del genial Woody Allen se contagían al resto del reparto. En este aspecto, al principio, tal vez pueda chocarnos Scarlett Johansson, que aparece tal vez demasiado sobreactuada, pero que según avanza la película va encontrando la contención adecuada, porque no todo el mundo puede ser Allen.

Entretenida y nada pretenciosa película. Comedia en su estado más puro.

EL LABERINTO DEL FAUNO* * * *

2006-11-10T10:11:00.000-08:00

Guillermo del Toro, realizador de un aparente mundo aparte, en la estela del gran Tim Burton, nos trae su última fantasía: El misterioso Laberinto del Fauno.

Misterioso y bello también, sí, pero tremendamente desaprovechado. En realidad esta no es una película que se quiera centrar de manera profunda en ese mundo de fantasía del laberinto, que es una pena, sino que encierra una historia trágica que la niña protagonista en realidad no debería de haber vivido así, la historia de una posguerra que ni siquiera tenía que haber existido.

Así, en realidad, toda la historia fantasiosa pasa de puntillas, está presente pero no quiere ser la protagonista absoluta de la historia. Solo así puedo entender que las secuencias del mundo fantástico esten escasamente desarrolladas. Las acciones aquí se resuelven a una velocidad abismal, sobre todo las tres pruebas que la niña tiene que superar. Por ejemplo, la prueba de las llaves y la cerraduras, posiblemente inspirada en la obra de Shakespeare recientemente llevada al cine: El Mercader de Venecia, aquí la niña resuelve el enigma de una manera simple, sin presentarle ningún dilema. Y esto sigue así en casi todas las escenas de corte fantástico.

Posiblemente Del Toro ha querido abarcar una historia demasiado grande y tanto la esfera real de las guerrillas de la postguerra y la esfera fantástica del laberinto han quedado flojas, en mi opinión.

Técnica y artísticamente la película es una gozada, derrocha imaginación por todas las esquinas, con un poco de inspiración gotica-Burton y en aspectos algo Manga (el sapo, el fauno e incluso el aspecto del capitán Vidal con sus gafas oscuras y redondas) Del Toro construye un tétrico mundo en el que en ningún momento se pierde la belleza.

Otro punto (muy) fuerte de la película son los personajes y los actores que los interpretan. la película está llena de personajes interesantes cómo el Capitán Vidal (Sergi López, fantástico), la niña Ofelia, el fauno o el de nuevo desaprovechado monstruo de los ojos en las palmas de la mano. Un reparto de lujo dónde quien está menos acertada es Ariadna Gil, que apenas aporta matices a su personaje, aunque está mejor que en otras películas. Sobre todo destacan Sergi López, Maribel Verdú e Ivana Baquero.

El Laberinto del Fauno es una película que nos transportará entre dos mundos crueles y duros, aunque siempre con su punto de bondad y belleza.

INFILTRADOS* * * *

2006-11-06T08:46:00.001-08:00

En principio, malo es que un director de la talla de Martin Scorsese tenga que recurrir a la realización de un prematuro remake ( la original, Infernal Affairs, se estrenó en el 2002) para recuperar el status de éste. Pero el caso es que Scorsese ha acertado y nos trae una gran película tras unos últimos proyectos de relativa calidad.

Infiltrados recupera ese cine dónde la espectacularidad no sacrifica un guión de interesantes diálogos y unas buenas actuaciones. Aunque debo de reconocer ya que aún no me siguen convenciendo ni el Leonardo Dicaprio post-Titanic, ni Matt Damon. Pero la película está muy bien y su ritmo es muy acertado, muy ágil. Consigue a la perfección la velocidad frenética de la lucha entre el gato y el ratón, mirar quién pilla antes a quién, qué infiltrado ganará su carrera en un mundo de constantes mentiras. Tiene la agilidad que por ejemplo carecía Atrapame si Puedes (Steven Spielberg, 2002).

Pero de la historia poco voy a contar para que resulte realmente emocionante. Como ya he dicho los actores estan bien, aunque una vez más tengo que destacar a un actor de mi devoción, Jack Nicholson, que como siempre esta soberbio. Porque no hay mirada de un actor que exprese tanto poder. Y si bien se le puede tachar de repetitivo y sobreactuado, señores, es Jack Nicholson.

Infiltrados es una película entretenida, emocionante, pero al fin y al cabo un remake y hasta que no vea la original me resisto a darle un 10. Pero como filme indepencientemente en dónde se inspire funciona muy bien.

PEQUEÑA MISS SUNSHINE* * * *

2006-10-28T07:42:00.000-07:00

Lo que se puede esperar de unos realizadores de videoclips que han trabajado para R.E.M. , Red Hot Chilli Peppers, Janet Jackson o Smashing Pumpkins es un producto de una calidad mínima.

Para este paso al largometraje, Jonathan Dayton y Valerie Faris, consiguen pasar el aprobado, y por mucho. Pequeña Miss Sunshine es una película que tal vez a pesar de su apariencia ñoña, es una obra con sentimiento, pero nunca sentimentaloide. Porque en esta película no hay hueco para típicos efectos lacrimógenos efectivos (de los de Ron Howard) sino que el verdadero drama de esta historia reside en el desencadenamiento cómico de los hechos.

Pequeña Miss Sunshine es una comedia agridulce sobre una familia en plena crisis luchando para no caer en el fracaso, o por lo menos en el fracaso que ellos creen. Para ello Michael Arndt, guionista de esta historia, se vale de un género muy propicio al camino del aprendizaje individual: las Road Movies. La niña pequeña de los Hoover quiere acudir al concurso de belleza Pequeña Miss Sunshine, y para ello, toda la familia (el padre, la madre, el hermano en huelga de habla, un abuelo drogadicto, y su tío que se acaba de intentar suicidarse) deben de recorrerse todo el país en una furgoneta sin embrague.

Pero como ya he dicho, en realidad, es una historia sobre la lucha contra el fracaso. La principal visión de este, aunque no la más correcta, es la del padre. Escritor que quiere publicar un libro sobre los siete pasos principales para no ser un fracasado. Esta es una visión rígida de la lucha personal de corte maquiavélico: no importa a quién pases por delante, para no ser un fracasado tienes que ganar. A esta se contrapone la visión más correcta del fracaso, la que aporta el abuelo drogadicto, y es que la gente fracasada es aquella que ni siquiera se ha atrevido a intentarlo. En este dilema acabarán debatiendose todos los miembros de la familia.

Así este camino de aprendizaje se desarrolla lleno de giros cómicos y momentos no tan graciosos. Pequeña Miss Sunshine es una película de apariencia simple pero llena de mensaje, tal vez al estilo de La Boda de Muriel, de P.J. Hogan (dónde también salía una estupenda Toni Collette). Entretenida, disparatada, sin ignorar la seriedad. Buen comienzo para el debutante guionista Michael Arndt.

EL DIABLO VISTE DE PRADA* * *

2006-10-11T11:27:00.000-07:00

Un solo nombre: Meryl Streep, ya es, en la mayoría de los casos una garantía de cine de calidad, o por lo menos símbolo de que al menos un personaje va a estar bordado. En este caso es más el segundo caso que el primero. El Diablo Viste de Prada nos deja a una esplendorosa Streep pero la película de por sí es bastante insuficiente, débil. Algo así entre una comedia seria y otra pop de corte Mtv o Disney.

David Frankel, realizador de varios capítulos de Sexo en Nueva York, dirige aquí una película en la que seguramente a Sarah Jessica Parker le hubiera encantado estar, una película también para fetichistas de los tacones altos y basicamente para aquellos fanáticos y fanáticas de la moda. Lo mejor, que ciertamente le ha sabido sacar bastante punta al mundo de la moda y de lo que de ese mundo podía sacar: la lucha de los "trepas", la fiereza de la competencia, el snobismo y por supuesto el poder que estos ejercen sobre la sociedad.

El Diablo Viste de Prada es además una película de valores, edulcarados por parte de la ética personaje de Anne Hathaway y por supuesto endurecida visión de la excelente Meryl Streep. Interesante es pues, el contrapunto moral de los dos personajes.

Frankel utiliza en realidad el mundo de la moda como escenificación de esa lucha eterna del mal y el bien, esa especie de tentación diabólica frente a la bondad angelical. Escenifica esa entrega de la manzana por parte de la serpiente a Eva. Esa facilidad del ser humano a caer en la maldad, que por supuesto tiene su punto de bondad.

Sin duda lo más interesante, y en realidad por lo único por lo que merece verse la película es el personaje de Miranda (Meryl Streep), ese ser malo malísimo, ese diablo que no es más que una persona luchadora por sus propios sueños, pena que su narcisismo pueda con ella. Frankel utiliza la fórmula típica de la representación del antagonista, nos muestra su maldad pero también sus puntos débiles y flaquezas para mostranos, que este, también tiene su punto de bueno. Miranda es la versión seria y añorada de la Cruella de Vil de Dodie Smith.

En lo que si que me gustaría resaltar en Frankel es la habilidad que ha tenido para conseguir una verdadera atmósfera de estrés en la película, una verdadera agilidad rítmica que hace que hasta el espectador se estrese de los mandatos de Miranda.

El Diablo Viste de Prada es una entretenida película para mayor gloria de la siempre maravillosa Meryl Streep.

OSCARS 2006-07

2006-10-05T10:03:00.000-07:00

Por segundo año, y esta vez intentare hacerlo con más seriedad, haré una primera bolilla de los posibles nominados a los Oscars de su 79ª edición, que se realizará en febrero del año que viene. ¿para qué sirve esto? en realidad para nada, solo que si en Enero se demuestra que he adivinado la mayoría pues mal va el cine, además es una especie de guía de las películas que posiblemente haya que ver en los próximos meses. Principalmente una tontería que invito a discutir con comentarios. Para mí, los nominados son:

-MEJOR MONTAJE: Dreamgirls/ World Trade Center/Flags of our Fathers/Apocalypto/Babel
-MEJOR SONIDO: Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto/Dreamgirls/World Trade Center/Children of Men/Flags of our Fathers
-MEJOR MAQUILLAJE: Hollywoodland/The Fountain/The Queen/Apocalypto/Marie Antoinette
-MEJORES EFECTOS SONOROS: Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto/Apocalypto/World Trade Center/Children of Men/Flags of our Fathers
-MEJORES EFECTOS VISUALES: Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto/Apocalypto/The Fountain/The Science of Sleep
-MEJOR VESTUARIO: Piratas del caribe: El Cofre del Hombre Muerto/Dreamgirls/Hollywoodland/Marie Antoinette/ The Fountain
-MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Little Children/Flags of our Fathers/The Black Dalhia/Running with Scissors/Children of Men
-MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA Y DECORADOS: Dreamgirls/ The Science of Sleep/The Fountain/The Prestige/Apocalypto
-MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Catch a Fire/Pequeña Miss Sunshine/The Fountain/Babel/Stranger Than Fiction
-MEJOR FOTOGRAFÍA: Babel/Flags of our Fathers/La Joven del Agua/The Black Dalhia/Apocalypto
-MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Cars/ Vecinos Invasores/?
-MEJOR ACTOR DE REPARTO: Alex Jennings- The Queen/Michael Peña- World Trade Center/ Jack Nicholson-The Departed/ Adam Beach- Flags of our Fathers/Paul Bettany- The Da Vinci Code
-MEJOR ACTOR: Derek Luke- Catch a Fire/ Ben Affleck- Hollywoodland/ Brad Pitt- Babel/ Paul Giamatti- La Joven del Agua/ Joseph Cross- Running with Scissors
-MEJOR DIRECTOR: Bill Condon-Dreamgirls/ Clint Eastwood-Flags of Our Fathers/Alejandro González Iñarritu-Babel/ Sofia Coppola-Marie Antoinette/Todd Field- Little Children
-MEJOR BANDA SONORA: Dreamgirls/Little Miss Sunshine/World Trade Center/Flags of our Fathers/Lady in the Water
-MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Diane Lane- Hollywoodland/ Scarlet Johanson- The Black Dalhia/Annette Bening- Running with Scissors/Maggie Gyllenhal- World Trade Center/ Bonnie Mbuli- Catch a Fire
-MEJOR ACTRIZ: Helen Mirren- The Queen/ Nicole Kidman-Fur/ Kirsten Dunst- Marie Antoinette/ Kate Winslet- Little Children/Penélope Cruz- Volver
-MEJOR PELÍCULA: Babel/ Flags of our Fathers/ Marie Antoinette/ Dreamgirls/ Little Children

WORLD TRADE CENTER* * *

2006-10-04T11:17:00.000-07:00

A la hora de abordar un filme basado en hechos reales, y cuando estos hechos reales son de tal magnitud, el problema es tomárselos demasiado en serio. Es cierto que la realidad supera, en muchos casos la ficción, pero cuando la realidad desborda la ficción, habría que adapatarla mejor a esta, en mi opinión. Bueno, para aclarar este confuso principio, me refiero claramente a la secuencia más garrafal de la película, que acaba y machaca a la misma. Esta escena es la "aparición" de Jesucristo. Es cierto que esta secuencia se basa en declaracionea del policía atrapado allí, pero no por ello debe ser representada, y más cuando no se tienen los instrumentos para realizarlo de una manera bonita y seria, esa secuencia cae en lo ridículo. Algo que en un realizador como Oliver Stone es imperdonable.

A su vez aquí vemos a un Oliver Stone débil, perezoso, que únicamente se molesta en usar los principales tópicos, efectivos pero tópicos, del cine de dramas humanos. En realidad Stone sólo usa el World Trade Center y su tragedia como fondo de escena para contar una historia de amor y supervivencia que podríamos haber enmarcado en cualquier otro incidente. Realmente la película no se moja en lo que es la mayor tragedia de nuestro tiempo, sino que es el pretexto para contar otra historia.

Pero aún es pronto y en realidad no podemos pedirle que haga una síntesis politico-sociologico-económica de la tragedia, pero la verdad es que al haberse centrado únicamente en dos dramas humanos ejemplares, si que es cierto que parece que el World Trade Center es un telón de fondo. Pero sin duda la historia es buena y su resolución también, si es cierto que Stone consigue sacar del ojo del mal la bondad de la humanidad, es decir, del mal, aunque es malo, por lo menos saca lo mejor de nosotros. Pero eso pasa con el World Trade center, con un terremoto en Tokyo o un tsunami en Indonesia.

Lo indudablemente bueno del film es Oliver Stone y su realización, el está politica e ideológicamente débil, pero técnicamente sigue con su misma fuerza. Stone consigue crear verdaderas atmósferas dentro de la sala del cine. Si bien desde el primer minuto sabemos lo que va a pasar, aunque no lo supieramos, Stone si nos crea un amanecer pesado, del que intuímos que ese no va a ser un día normal. Magnífico es también, procedente únicamente de un genio, las atmósferas y sensaciones que crean el derrumbamiento y el posterior agobiante encierro entre escombros de las dos torres.

También son excelentes las actuaciones de Michael Peña y su buena química con Maggie Gyllenhal, también estupenda. Nicolas Cage, algo más demacrado de lo normal, con su cara de pesadumbre que mantiene en sus últimas películas y por cierto, ¿qué le pasa a Maria Bello en los ojos?.

Resumiendo, World Trade center es una película muy emotiva, pero no hace justicia a ese 11 de septiembre del 2001.

ALATRISTE* * *

2006-09-29T12:07:00.000-07:00

Bien tendrá sabido aquel que me lea habitualmente, si es que hay alguien, que soy bastante dado a la espectacularidad en el cine siempre que encuentre un equilibrio con la calidad. De calidad anda bastante sobrado Diaz-Yanes en su visión de la novela de Perez-Reverte, Alatriste. Pero le ha faltado algo primordial en este género, la suficiente espectacularidad, la creación de un héroe claroscuro que incite a su reencarnación en ese público ávido de aventuras. No me llego a imaginar a los niños en el patio del colegio jugando a ser Alatriste, como si lo hacen con Jack Sparrow, o como lo hicieron con Lawrence de Arabia, etc...

La película si que contiene bastantes dosis de espectáculo, sobre todo según se va acercando el final, pero es más bien un espectáculo pobre (la pélícula más cara de la historia del cine español no quiere decir que sea una película cara). A Alatriste le faltan grandes panorámicas del Madrid del siglo XVII, más combates a la luz del día, más emoción, más, en general, de sensación de estar viendo algo grande y como ya he dicho, emocionante.

Por suerte Alatriste es una película que va in crescendo, comienza de una manera algo confusa e incluso en momentos aburrida pero poco a poco nos va adentrando a trancas y barrancas en el universo de este cansado soldado que abandona sus servicios al mejor postor pero que nunca pierde la dignidad y el orgullo. Así, cuando el tren se pone a toda máquina, hacia los tres últimos cuartos de hora, comenzamos a disfrutar de la película y a sentir cerca los siempre misteriosos pensamientos de Don Diego Alatriste y Tenorio, a sentir sus penas, amores y alegrías.

En cuanto al reparto, sólo Viggo Mortensen podía ser Alatriste, una pena que sus diálogos parezcan tan mecanizados y artificiales, pero bastante mérito tiene que un americano que sabe castellano-argentino, consiga aproximarse a la voz de un madrileño del siglo XVII. La que no anda muy acertada es Ariadna Gil, tal vez demasiado contemporánea en su actuación para ser una película de época. Destacar a Juan Echanove en una de sus mejores actuaciones.

Lo mejor, sin duda, la cuidadosa fotografía de Paco Femenia (Sin Noticias de Dios, Juana la Loca, etc) que personalmente me evoca a los maravillosos cuadros del tenebrismo de Caravaggio y por supuesto (y en consecuencia) a la obra de Velázquez. Cada encuadre parece una hermosa pintura.

Asi pues, Alatriste es una película de gran calidad pero que quiere abarcar mucho y se queda tímidamente a medio camino.

LA JOVEN DEL AGUA* * * * *

2006-09-21T12:07:00.001-07:00

Cuarta película tras el bombazo de El Sexto Sentido para el ingenioso director M. Night Shyamalan y segundo paso más definido hacia esa especie de giro humanista que dió con su anterior película El Bosque.

Y es que Shyamalan se ha debido de proponer salvar la humanidad mediante sus fábulas, y eso, junto con su ingenio y elegancia en la realización, pues que bienvenido sea.
Este director y guionista, y de paso semi-protagonista, es y será uno de los exponentes principales del cine de nuestro tiempo.

La Joven del Agua es, como ya he dicho, una bonita fábula de héroes, hadas y lobos de tono humanista con un claro mensaje a favor de la cooperación y la ayuda entre unos y otros y sobre todo un llamamiento a que no olvidemos de lo importante que es saber escuchar al que te habla.

Por supuesto Shyamalan no olvida el entretenimiento y así construye un texto en el que no falta este ni mensaje que te haga pensar. Por supuesto no pierde su estilo de impecables encuadres y exquisita fotografía, además de una dirección de actores tan buena como siempre, aunque con ese reparto (Paul Giamatti, Bryce Dallas Howard...), normal.

Conncluyendo, la Joven del Agua es un bonito cuento con mensaje, que no viene nada mal. Los que piensen que van a ver una película de terror, abstenerse.

PIRATAS DEL CARIBE 2 * * * *

2006-08-29T09:27:00.000-07:00

Una gran discusión interna me viene a la cabeza con este tipo de películas, pensando en como valorar las distintas funciones que el cine tiene, guiarse por sensaciones o por técnica... ¡vaya dilema!

Esta vez me molestaré en contar primero como vio la película la señora, desconocida, que estaba sentada en la butaca de mi derecha, tendría unos 60 años como mínimo.
Dicha señora disfruto como una niña cada minuto del film: se rió con el cada vez más amanerado capitán Jack Sparrow y con sus locuras de pirata 24 horas borracho. Se asustó y saltó de la butaca a consecuencia de los efectos en busca de sobresaltos. Casi se marea de emoción con la rueda del molino o con las bolas hechas con rama y seguramente se enamoró pensando que era la heroína Elisabeth teniendo que decidir entre el bueno de Will o el rebelde de Jack.
Solo por conseguir tal montaña rusa de sensaciones en esta señora con una película de aventuras, Piratas del Caribe ya se merecía cinco estrellas.

Pero me gusta creer que el cine es más que una máquina de entretenimiento, y si se puede alcanzar un nivel de calidad de historia conjunto a artificios impresionantes, es bueno intentarlo. Algo que Gore Versinki parece que no ha hecho, ya que en ningún momento se intententan arreglar los errores de la película antecesora. Y es que Versinki y los guionistas de esta saga pecan de nuevo de interesarles únicamente preparar escenarios ideales para realizar artificios y barracas, sin importarles en sí la profundidad de la historia o de los personajes.
Piratas del Caribe 2 es puro espectáculo, no le interesa contar una historia o transmitir unos valores en los jovenes, si acaso las idas y venidas de Sparrow entre el egoísmo y el honor y valor o entre el mal y el bien.

Los personajes son interesantes, sobre todo Sparrow, si este verdaderamente hubiera sido desarrollado como se merece. O uno nuevo, el malo Davy Jones, una pena de personaje desaprovechado (olvidarse del doblaje de este personaje en castellano).

A destacar también, aparte de un ritmo bastante bueno, los efectos especiales. La Walt Disney sabe cuidar muy bien a su joya que la ha resucitado de su mal momento y le ha proporcionado un presupuesto suficiente para que sus numerosos efectos especiales queden correctísimos, el realismo de Davy Jones es alucinante.

Piratas del Caribe 2: El Cofre del Hombre Muerto es una muy correcta segunda parte (no siempre las segundas partes son malas) que por desgracia no intenta arreglar los problemas de la primera. Puro espectáculo.

Apunte para la historia: con Piratas del Caribe se reafirma la nueva "esperanzadora" era para la Disney tras su caída directa en los ultimos años de los 90 y primeros años de esta década. Cambio de logotipo incluído.

CARS* * * *

2006-08-09T12:04:00.000-07:00

D e entrada debo avisar, siento un ligero favoritismo a John Lasseter por haber creado la fabulosa y mejor empresa de animación del mundo, Pixar, y como director por haber creado una de las películas favoritas de mi infancia, Toy Story.

Con estos antecedentes, parece imposible que Lasseter haga algo mal en su vida, y es que este hombre sabe recuperar la esencia de su (interesada) madrastra, la Walt Disney y sus primitivos mensajes de bondad disfrazados de animales y personajes variopintos. Esta vez son coches los que enseñan a las nuevas generaciones y,como no, a muchos adultos valores como la idea de tolerancia, humildad y un largo etc...

Es impresionante como los chicos y las chicas de la Pixar consiguen sorprendernos con cada película y es que son unos maestros de la animación en el más estricto sentido de la palabra, en cómo consiguen animar, dar vida a algo inanimado y sobre todo por cómo consiguen historias para cosas insospechadas. Puedo recordar hace años cuando me enteré de que la Pixar iba a hacer un filme sobre peces y sobre coches, me dije: estos se han vuelto locos, ¿qué narices se puede sacar de historia de una peces y unos coches? unos seres sin cuerpo con extremidades y bastante aburridos. Llegó Buscando a Nemo y me enamoré de esa película, ahora Cars, tras Los Increíbles, que consigue dar vida, humanizar a algo tan inhumano como un coche, y sobre todo, ¡sentirnos identificados con un coche!

En cuanto al guión, como ya he dicho, aquí hay mensajes de valor para todos, y sobre todo es de destacar esa idea general de la película del amor y respeto por lo antiguo, y es que nunca deberíamos olvidarnos de nuestros pueblos o los de nuestros padres, pues en ellos se encuentran la esencia de nosotros mismos. Sí al futuro, pero sin olvidarnos del pasado.
El ritmo es un poco irregular ya que el principio resulta un poco pesado pero la película por suerte va "in crecento" y te hace olvidar que el principio fue un tanto pesado.

Técnicamente la película me produce dos reacciones: una escalofriante, Cars consigue una calidad gráfica que asusta por su realismo, y esto a su vez me entristece porque cada vez los dibujos animados son menos animados y menos dibujo, con lo que en cierta manera, pierden su esencia mientras aumenta su calidad técnica.

Cars es una entretenida película, que si bien no está a la altura de sus antecesoras (el liston está muy alto), tiene valores muy recomendables para los pequeños aunque es algo triste, sobre todo los títulos de crédito.

pd: no perderse el cortometraje inicial, una bonita fábula aplicable a muchas cosas, por cierto, recomiendo imaginarse a los dos hombres orquesta como dos altos mandatarios, uno el de la Walt Disney, y otro el de Dreamworks.

SILENT HILL* *

2006-08-09T11:23:00.000-07:00

Un gran dilema se plantea en cuanto al cine que adapta cosas en general cuando te sientas en la butaca del cine y te pones a ver este film de Christopher Gans. Y es que, ¿qué está bien en una adaptación? basarse o inspirarse en la obra a tratar con el fin de hacer una película (con su propio estilo y normas) o para ser respetuosos realizar sólo un calco de la obra-producto original.

Silent Hill, adaptación de la saga de los videojuegos del mismo nombre, es exactamente un calco, no solo en historia, sino en estructura, uno de los principales problemas de las adaptaciones.

Una película basada en un videojuego no puede tener la misma estructura que este, porque en el videojuego es el espectador quien interactúa con la máquina, quien se mete de lleno en el personaje como si fuera él mismo. En la película, somos un espectador que nos identificamos con el personaje, pero no somos nosotros quienes tenemos la sensación de que tomamos las decisiones, sino que ya están grabadas.
Silent Hill falla que, cuando la protagonista se pasea por una especie de infierno, no pasa nada pero está indefensa, no da miedo. Pero sin embargo, esa misma secuencia, siendo tu quién lleva con un mando a la protagonista, tienes que dejar de jugar porque no puedes con la tensíon.

Y es que Silent Hill es una adaptación demasiado fiel, en realidad te estas dando cuenta de que mientras la ves estas pasando pantallas claramente diferenciadas, pero sin embargo no estas jugando, y eso aburre.

Artísticamente la película es literalmente maravillosa en su tenebrismo. Sus decorados estan altamente cuidados y sus ideas son muy buenas y atrevidas, como la secuencias en las que suenan las sirenas y la pantalla se oscurece hasta dejar la sala a oscuras (si no sería por las malditas lucecitas azules o rojas que ahora tienen casi todos los cines al borde de las escaleras).
Faltan ideas en los diseños de los personajes del inframundo, tan solo merece la pena el extraño ser del báter, y roza lo ridículo. No acompañan los efectos especiales, falta de presupuesto supongo, pero hacen de los malos de la película seres bastante graciosos y de pega, lo que da más la sensación de gráficos de Playstation 2...

Al fantástico Roger Avary, guionista de la película y de otras cómo la sorprendente Las reglas de la Atracción, en esta película hace un guión extraordinario si es fiel al videojuego, sobre todo en cuanto a diseño de personajes, la policía tetona la vieja demacrada y los personajes del inframundo, etc... Pero como filme los diálogos y la historia pinchan muchísimo, algunos muy rídiculos, sobre todo entre la policía tia buena y la protagonista.

Así, no se ha sabido hacer del videojuego una película, de lo que ha quedado una historia mediana, que puede gustar a los fans del videojuego, pero que el público general saldrá bastante decepcionado. Aunque en algunos momentos se consiguen esferas agobiantes, a Silent Hill película le falta conseguir la tensión (y posteriores sustos) del Silent Hill videojuego.

LA EDUCACIÓN DE LAS HADAS* * *

2006-07-13T13:26:00.000-07:00

Vuelve tras 7 años de parón en la dirección, Jose Luis Cuerda, uno de los cineastas españoles que ha sabido reinventarse y de paso reinventar el cine español, pasar de Amanece que no es poco (españolada, divertida por cierto) a La Lengua de las Mariposas, entrañable y preciosa película y por supuesto el mérito de ser el padrino de Alejandro Amenábar.

Sin embargo, con La Educación de las Hadas, Cuerda no ha conseguido dar la campanada, presentándonos una película bastante irregular y poco aprovechada. El filme parte de una idea muy jugosa, original en nuestro panoráma nacional , una historia a desarrollar muy interesante. Pero en el guión Cuerda tarda demasiado en presentar esa idea con una sucesión de secuencias que bien podían haber sido resumidas en un cuarto de hora-20 minutos, y no casi más de una hora. El personaje de Bebe tarda demasiado en ser la "co-protagonista", la hada que tiene que ayudar al niño a volver a juntar a sus padres, siendo esta misión, resumida en unas escasas secuencias hacia el final, que es cuando te comienza a gustar y entretener la película.

En general todo el principio es bastante confuso, una francesa que tiene un hijo que habla perfectamente español se encuentra con un argentino en un avión y se enamoran con un simple juego y todo sucede a una velocidad abismal y a la vez a una lentitud loca, haciendo de la primera mitad un verdadero horror de confusión de acontecimientos que pasan sin pena ni gloria. Pero por fin aparece la hada y la película se entorna a una bonita historia, comienzas a disfrutar, que pena que la película esté acabando.

Conclusión, una película bonita pero tremendamente desaprovechada. Suerte que le salva el final, muy bonito y mágico. Otro salvamento por cierto son los actores, estupendos, una suerte haber descubierto a Bebe como actriz.

VECINOS INVASORES* * * *

2006-06-26T10:08:00.000-07:00

Nuevo frenético proyecto de manos de la cada vez más interesante Dreamworks Animation. Esta vez con Tim Johnson a la cabeza, director encargado de la no menos despreciable HormigaZ, o Simbad y la Leyenda de los Siete Mares, uno de los fiascos de la compañía.

Vecinos Invasores es una nueva película de animación 3D cañera, rockera, dinámica, llena de movimiento. Una locura vamos, pero esta vez es un filme con alma, con mucha alma.
Este contiene una denuncia clara y es tremendamente educativo para esos niños igualmente hiperactivos que los personajes y con tendencia a despreciar los valores de toda la vida. Vecinos Invasores es una película que representa esta nueva sociedad que desprecia los pequeños esfuerzos de la vida para atajar por caminos superficiales que nos aportan una falsa realidad. Claro ejemplo es la comida, (tema de la película) y cómo preferimos ser vagos y comer comida prefabricada de rápido acceso y satisfacción instantánea en vez de buscar los alimentos "buenos" y molestarnos en prepararlos.
Así la película intenta remediar esto en los pequeños que la vean (clientes masivos de estas chucherías) además de continuar viejos valores como la amistad, la importancia de la sinceridad y la familia solidaria.

Por otra parte Vecinos Invasores es una película tremendamente freak con personajes muy divertidos y curiosos: una ardilla hiperactiva, una tortuga con cierta apariencia homosexual adorable (¿será el influjo de la voz de Luis Merlo?), una zarigüella que se hace la muerta cuando siente peligro y es bastante asustadiza, y un exterminador que es el sumun de la "frikería". Además del resto de personajes.

Una película muy divertida, con mensaje, y que ofrece momentos intensísimos como cuando la ardilla bebe cafeína, que harán las delicias sobre todo de mayores.

X-MEN 3:LA DECISIÓN FINAL* * *

2006-06-02T15:04:00.000-07:00

X-men entra sin lugar a dudas ya en el olimpo de las películas de superhéroes mejores adaptadas de un comic. Lugar díficil de acceder en dónde, de momento, yo solo metería a las películas de Batman de Tim Burton, las de Superman, o Los Increíbles (a pesar de no ser una adaptación de comic, sino estar inspirada en).

Brett Ratner ha sido el encargado de cerrar esta triología que comenzó Bryan Singer en el 2000 y que perfeccionó en el 2003 con X-2. Ahora, ocupado con resucitar a Superman (Superman Returns) le ha dejado el trabajo a Ratner, un director de dudosa carrera en la que lo único que cabe destacar es precisamente el cierre de otra triología bastante rarita, la de Hannibal Lecter, con El Dragón Rojo. Con X-men 3 Ratner lo ha tenido fácil y difícil, fácil porque la historia ya estaba bastante cerrada y el camino bastante allanado, si bien tenía la dificultad de estar a la altura de sus predecesoras.

X-men 3 es una película de acción espectacular aparentemente superficial, si bien continúa la profundidad argumental de las obras de Singer ( y del planteamiento del comic como consecuencia) sobre la tolerancia hacia el extraño, hacia el distinto. Al final X-men puede ser tomada como una especie de fábula sobre la lucha de las minorías marginadas por las mayorías por encontrar un lugar en el mundo y ser respetada como iguales. X-men no deja de ser esa especie de lucha por el fin del racismo entre humanos que en su base son iguales aunque distinto en su forma.

También es interesante el dilema del ser humano ante la aparición de otros seres humanos más poderosamente evolucionados. El sentimiento de amenaza y destrucción en vez del de tolerancia y diálogo, ¿instinto humano?. Además en esta tercera entrega se añade un polémico mensaje pero realista disfrazado de espectacularidad: La diplomacia apenas sirve para nada, sin lucha ni muerte previa, no existe la paz.

Pero todo esto fue el terreno que ya preparó Singer en sus anteriores filmes. Ratner los ratifica pero tampoco aporta nada especialmente nuevo para cerrar la triología (algo que ya hizo con el Dragón Rojo). Ratner repite las convenciones de Singer, pareciendo casi que ha sido el propio Singer quien ha dirigido la película, eso sí, sin la misma elegancia ni estilo que le caracteriza.

Técnicamente la película es una gozada para los ojos del espectador. Otra cosa que ha demostrado esta triología es que los X-men tienen los mejores efectos especiales en su género, los mejores y más inteligentemente utilizados. ¡qué gustazo da ver en el 2006 a un personaje como la Bestia que en realidad es un actor disfrazado y no una montaña de pixels!

Otra cosa de la que presumen los X-men es sin duda de tener el mejor reparto de su género, con Ian Mckellen, Hugh Jackman o Halle Berry, estupendos en sus caracterizaciones. Además del resto del reparto, creíbles en sus caracterizaciones.

X-men 3: La Decisión Final es una entretenidísima película con momentos alucinantes, pero desgraciadamente es más de lo mismo en la saga. Ratner hace un film correcto, pero no arriesga, tal vez por respeto a Singer, por exigencias de productora o por incapacidad propia.

EL CÓDIGO DA VINCI* *

2006-05-29T10:47:00.000-07:00

El Código da Vinci es una película desequilibrada en su ritmo y con un guión que no ha sabido exprimir todo el espectáculo que supone el libro. Ron Howard ha hecho una película fast food importándole mas bien poco su creación sino centrándose en acabarla lo antes posible y llenar los bolsillos de los productores al poder ser en el primer fin de semana.

El famoso libro de Dan Brown se convirtió al parecer en best seller precisamente porque se alejaba de ser una novela historica de ensayo profunda y seria que haría pensar durante meses a sus lectores. No, El Código Da Vinci es una novela de lectura rápida, de entretenimiento plano, con los ingredientes necesarios de enganche de la cultura media (en la que me incluyo) como descripciones sencillas, redacción ágil, enigmas o juegos de deducción simples pero efectistas y sensacionalismo polémico.

En la adaptación visual, a Howard le ha fallado la agilidad y el planteamiento de deducción de los enigmas es decepcionante. La agilidad falla porque el ritmo de la película está muy desequilibrado, con un inicio demasiado largo y un climax (cuando se descubren los primeros enigmas) que parece que pasa a cámara rápida y después pasa de nuevo a un ritmo lento para el desenlace final. Los cambios en el guión son a su vez negativos para la película. A la película le falta en definitiva, espectacularidad, dejar pegado al espectador en la butaca del cine como el libro nos dejó con la boca abierta. Le falta la sensación de querer saber más y más.

La película también es, a mi parecer, bastante "sucia", como chapucera. Tiene encuadres muy cerrados y la cámara es también muy inestable creando cierta sensación de incomodidad (que está muy bien en las partes claustrofóbicas de Langdon, pero que durante toda la película cansa). También cansa y marea algo la excesiva oscuridad durante la primera mitad de la película. El montaje también es bastante desconcertante en momentos como la perscución en las calles de París.

En cuanto al casting, Tom Hanks hace una de sus peores actuaciones con una cara muy inexpresiva durante toda la película (rozando su interpretación en momentos de Forrest Gump, que no se parece en nada a Robert Langdon). Ian Mckellen hace una interpretación de su personaje en la novela también muy sui generis con cierto amaneramiento del personaje. Destaca por su magnífica interpretación Audreu Totou, que consigue quitarse su máscara de chica inocente e ilusionada de sus papeles en las películas de Jeunet. Se mete realmente en su papel de Sophie Neveu. Tambien destaca aunque es un poco exagerado el interesantísimo personaje de Paul Bettany, Silas.

Dos cosas más que hacen del filme una obra desafortunada: El tratamiento de los flashbacks y su unión con el presente de la historia y el repentino puritanismo en un film polémico de por sí (la autocensura del foco para evitar mostrar un simple pene, la elavoradísima coreografía Bettany-cámara para tampoco mostrar su pene o tb el cambio final de guión).

En definitiva, una película que se deja ver pero que está vagamente adaptada y resuelta. Otro guionista y otro director hubieran sabido sacar mucho más jugo a la historia que Dan Brown les ofrecía.

TRÁNSITO* * *

2006-05-19T02:09:00.000-07:00

Quinto film del prometedor director Marc Forster, que se toma la licencia de hacer autoejercicios con sus películas. Lo que puede ser muy interesante y estimulador, o puede que tampoco resuelvas muy bien tu ejercicio.

Y es que Tránsito es una especie de busqueda del director de su propio estilo, aún no definido (carácter social e independiente en Monster's Ball o cine más convencional como Descubriendo Nunca Jamás) . Forster intenta en este film hacer algo transgresor, bastante loco y muy experimental. Pero en este ejercicio para mi gusto falla, resulta bastante incómodo e innecesarios sus cambios...

La película peca de un exceso de transiciones demasiado rebuscadas, innovadoras algunas pero rebuscadas y de nuevo innecesarias. Que si bien le dan cierto juego con lo que es el argumento de la película, en algunos casos resultan algo cómicas.

En Tránsito se huye de manera casi constante del corte, todo se entrelaza demasiado. Si vemos salir al personaje del coche se eleva la cámara en un travelling y ya vemos acercarse al personaje a su destino. Algo que como experimento de salto en el tiempo y espacio en directo es interesante pero no es práctico para el espectador, haciendole caer en una posible confusión o incomodidad.

En cuanto al argumento, bueno, la verdad que lo mínimo que se pueda comentar destriparía la película así que es mejor callar. como comentario unicamente decir que el problema de este tipo de películas es que es difícil crear un guión que no resulte bastante artificial.
Destacar una magistral secuencia dónde se demuestra que el director es alguien que sin duda dará de qué hablar, y es la secuencia de cuando el psicólogo protagonista va a visitar a la madre de su paciente. Una secuencia terrorífica a pesar de su aspecto puro (paredes blancas y una señora aparentemente apacible). Su tratamiento y sus efectos son una delicia que hacen rememorar momentos terroríficos como las niñas de El Resplandor.

Tránsito es una película curiosa de ver pero mal explotada. Marc Forster no ha sabido sacar lo mejor de la historia que el guionista Benioff (Troya) le ofrecía.

ZONA LIBRE* * *

2006-05-12T12:48:00.000-07:00

Mi padre compró un cordero, el gato se comió al cordero, el perro mató al gato que se comió al cordero, el palo mató al perro que mató al gato que se comió al cordero, el fuego quemó al palo que mató al perro que mató al gato que se comió al cordero [...] ¿hasta cuando durará este ciclo infernal? del opresor y del oprimido, del verdugo y de la víctima. ¿hasta cuándo esta locura?

Con la letra de esta canción comienza Zona Libre, acompañado de un primer plano de Natalie Portman llorando (los 8 minutos aproximadamente más gloriosos de la carrera de Portman) con una contención cautivadora. Canción que representa al odioso ciclo de violencia y venganza que mueve tanto Israel como Palestina.

Amos Gitaï pretende con esta Road movie hacernos ver que no puede haber solución de ningún conflicto si ni siquiera en lo más simple saben escuchar los unos a los otros. Maravillosa historia reflejada tanto en el arranque como en el final pero... ¿qué hay de lo del medio?

Pues la verdad es triste, el desarrollo de la película se lo come por completo Natalie Portman con patatas fritas. Si bien la película se titula Zona Libre, o Free Zone, bien se podía haber llamado, Natalie Portman viaja a Israel y Palestina. Esto sucede por el estilo fílmico de tipo documental y porque básicamente Natalie Portman hace de Natalie Portman pero llamándose Rebeca.

El film se desarrolla correctamente pero el desenlace resulta confuso con lo que la película cae y se rompe en cachitos. Una película que de 90 minutos de duración, son suprimibles por lo menos, 30 o 40 minutos. Una idea bastante mal aprovechada si bien sirve para más gloria de la pequeña Natalie Portman. Mención especial también paran el resto de actrizes.

SALVAJE *

2006-04-21T15:15:00.000-07:00

Está claro, la Disney necesita un parón. Necesita reflexionar, analizar qué está haciendo. Aislarse de la presión con la que vive por la creciente afloración de productoras que se suben al carro de la animación. Y es que en cuanto la Disney dejó de ser un monopolio se ha puesto tremendamente nerviosa y no da pie con bola. Clásicos disney es lo que necesita ahora la Disney. Algo así como lo que ha dado con Las Crónicas de Narnia, o El Castillo Ambulante.

Salvaje es una película simplona con la intentiva de ser cañera (al más puro estilo Dreamworks Animation o Pixar), dónde situaciones supuestamente delirantes van transcurriendo en una historia simple, carente de profundos matices simbólicos que puedan servir al niño que la contempla. Un ritmo loco para una película que no es tan loca como pretende.

En cuanto a la animación se refiere, de lo mejorcito, claro. Es Steve "Spaz" Williams quién se encuentra tras este proyecto, encargado de los efectos especiales de las magníficas La Máscara, Jurassic Park o Terminator 2 entre otras, aunque, ¿era necesario llenar la película de primeros planos para ver lo bien que están hechos los personajes y las texturas? Esta es una película dónde lo técnico se antepone a la historia, y por ahí vamos mal.

Otra película tontita y superficial (la anterior, la patética Chicken Little) para el nuevo rumbo de la Disney encuanto a la animación se refiere, espero que esto cambie. (al igual que por favor cambie lo de hacer chistecillos los protagonistas de la película mientras sale el logotipo de Walt Disney Pictures). A ver si ahora con Pixar dentro de la Disney... pero la animación necesita volver a la adaptación de cuentos con mensaje y dejarse de cine pop sinsorgo.

¿qué vale 1 estrella en esta película? La calidad del dibujo y sobre todo el personaje de Nigel, el Koala, digno de tener su propia serie sobre su vida, el único que provoca alguna carcajada.

BIENVENIDO A CASA* * * *

2006-04-21T14:41:00.000-07:00

David Trueba es uno de los directores españoles que al parecer según sus últimos proyectos, está llamado a ser uno de los remodeladores del cine español. Uno de los mayores exponentes de este "nuevo cine español" que se separa del cine cañí, verde, dónde el mundo de las putas y las mariconas reinan. Trueba hace un cine más internacional, (más norteamericano) pero sin olvidar sus raíces y sin separarse de la sociedad en la que vive, de la cultura española más moderna, más normal, más joven y fresca.

Bienvenido a Casa es una tragicomedia romántica dónde conviven unos patéticos personajes que verán la luz con la nueva vida. Bienvenido a Casa es una película con varios flancos abiertos que al final no dejan de ser un mismo flanco, la búsqueda de la felicidad, de conseguir vencer todos los problemas que en nuestras vidas surgen. Esta película es un reflejo de cómo es dificil superar los problemas de convivencia con tu pareja, de cómo superar la soledad, de cómo encontrar la felicidad cuando estas rodeado de miniproblemas, incordios,de hijos. De cómo superar tu propia infancia para dar el paso y madurar. Bienvenido a Casa es un filme sobre el paso a la madurez, que se puede dar a los 20 o a los 50 años.

Una bonita película con unos acertadísimos protagonistas que además de poder aportar el empujón que hace falta a nuestro star system, demuestran ser unos geniales actores. Ellos son la guapísima Pilar Lopez de Ayala y el eterno jovencito sexy Alejo Sauras. Otro atrevimiento espléndido en el reparto es la resurrección de Concha Velasco y de Carlos Larrañaga, que ya se podían dedicar más al cine y menos al cotilleo y el corazón.

Único punto en contra, la pandilla de amigos de Samuel, tal vez extremadamente patéticos. Pero la película se sostiene magníficamente y nos brinda momentos verdaderamente emotivos y momentos verdaderamente graciosos.

SYRIANA* * * *

2006-04-21T14:07:00.000-07:00

Lo peor del cine y a la vez lo mejor, es que a veces tiene que dejar de ser una fábrica de sueños en la que abandonarnos a nuestra propia suerte para convertirse en el espejo crítico en el que reflejarnos, el espejo en que ver lo cruel que el ser humano puede llegar a ser. Syriana es el triste reflejo de la clase de personas que somos.

Stephen Gaghan es el director y guionista de este duro drama, conocido por el guión de Traffic, de Soderbergh. Como director, esta es su segunda película, tras Abandon (2002), una película con Katie Holmes que dudo se estrenara en nuestro país, 4'7 según los votantes de IMDB. Así que su historial no parece decirnos nada bueno, pero este es un caso como el de Paul Haggis, nunca es tarde si la dicha es buena.

Syriana tiene lo mejor que puede ofrecer su género. Es una película de conciencia social, de protesta, pero que no deja de ser un thriller entretenidísimo y muy emotivo (los ojos acuosos serán inevitables), porque está claro que una cosa no quita a la otra. Syriana es una película dura, muy dura, la pena es que como todo en nuestra mente, la culpabilidad que nos hace sentir es pasajera y a la mañana siguiente se nos olvida, espero que a alguien convezca de verdad.

La cara negativa de esta película es el entramado tan confuso de la historia (aliciente que en cierta manera engancha) pero que también puede cansar y hacer revolverse al espectador. Ya que estamos en un tiempo donde el cine nos lo tienen que dar masticado, por lo que esta película puede sentar mal al más impaciente que traga sin masticar. Es una película a la que hay que ir sobreavisado ya que el tema que tratan nos es bastante desconocido al ciudadano medio. Por lo que se hace en consecuencia más necesarias de vez en cuando para nuestros ojos. Que nos enseñen de qué está hecho el mundo.

En la producción encontramos al galán de moda George Clooney, que merece un comentario especial. Un hombre que comienza a quitarse su traje de madurito guapo para demostrar que el cine también sirve para concienciar. Un hombre que está prometiendonos lo mejor de Hollywood para el futuro con películas como Buenas noches y Buena Suerte o esta misma, dónde además se reserva un papel cuya interpretación es muy digna.

Cine comprometido y de protesta del mejor, del que entretiene. Una pena que pueda resultar una película complicada.

EL CASTILLO AMBULANTE* * * * *

2006-04-01T06:31:00.000-08:00

Hayao Miyazaki es uno de los genios del cine de animación, y que sin duda si haría peliculas con personajes de carne y hueso que temblara la historia del cine...

Y con esto no menosprecio la animación, que es un género con la mejor virtud que el cine podía otorgarle, la imaginación sin límites técnicos. Imaginación es lo que desborda de nuevo en este film.

El Castillo Ambulante no pierde en ningún momento la vena tan emocional de las peliculas de Miyazaki y a su vez recupera algo que el mejor cine de animación occidental olvidó, es decir, que la Walt Disney olvidó, el cine de animación para niños con mensaje. Si bien ya de por sí en el cine de Miyazaki hay un entramado filosófico difícil de desmembrar, podemos encontrar un mensaje de buenas intenciones acerca del bien, de la belleza interior, de lo malo que es la envidia, etc... (mensajes que ya pudimos ver en las primeras películas de Walt Disney)

Además El Castillo Ambulante contiene de nuevo esa magia de Miyazaki del sin-sentido aparente. De estar viendo como suceden cosas anormales que como el retso de personajes las ve normales tu las acabas asumiendo también en ese preciso momento y que como ya he dicho forma parte de un dificil entramado filosofico que para descubrirlo deberiamos ver varias veces. Otra maravilla, una película que posiblemente se deje ver más de una vez descubriendo cosas nuevas con cada visión.

Esta película no pertenece a la corriente gamberra de Dreamworks Animation, Fox o Pixar (que no pertenecería mucho a este grupo) o no pertenece al lavado "modernista" de la Disney para llegar a sus nuevos niños "modernos". El Castillo Ambulante es un clásico desde ya, tanto por excelente realización como por rememorar los antiguos filmes de animación. Un defecto, un poco excesiva en su metraje.

VOLVER* * * * *

2006-03-23T01:33:00.000-08:00

Vuelve Almodóvar a sus raíces más profundas, vuelve para reencontrarse con su pasado, sus origenes, su pueblo.
Vuelve también Penelope Cruz para hacer una pausa en su bastante triste carrera en Hollywood para abrazarse al director que sabe sacar lo mejor de ella.
Vuelve Carmen Maura a trabajar con Almodóvar tras tantos años de distanciamiento entre ambos y que esta reconciliación no deja de ser un símbolo de ese retorno del director a sus orígenes, su pasado.
Esto es Volver, el retorno de unos personajes a su pasado, y por lo tanto, a sus miedos más principios.
Almodóvar consigue una maravillosa historia dónde comedia y drama se combinan en una dulce danza de acontecimientos. El director y guionista consigue sacar lo mejor de él con un guión fantástico dónde prima la naturalidad, haciéndonos creer casi que algunas escenas están totalmente improvisadas. También encontramos a un Almodóvar más atrevido con planos torcidos que descolocan bastante o con planos que nos enseñan todo y pueden hasta desviarnos la atención.
Pero Volver también supone un retorno a su sello estilístico propio, hereditario de ese estilo de hogar de los 70-80. Y eso, en una película ambientada en este nuevo siglo, cómo que descoloca bastante al espectador, es así que se hace difícil al principio la ambientación por parte del espectador de la película. Lo que provoca en cierta medida una pequeña pérdida de credibilidad al personaje de Penélope Cruz. Una mujer tan joven en nuestra época y tan chapada a la antigua. Pero que sin duda, existirán mujeres así, aunque no son de las más abundantes.

Lo mejor de esta película es sin duda sus protagonistas, todas, absolutamente todas están maravillosas. Penélope Cruz hace el mejor papel de su vida, Carmen Maura también consigue mejorarse a sí misma y Lola Dueñas continúa su consagración como una de las mejores actrices del panoráma. La sorpresa, Blanca Portillo (la esposa de Gonzalo en la serie Siete Vidas), que está realmente bien y que con ansia esperamos su papel en Alatriste. Yohanna Cobo, la novata, esta correctísima, aunque tampoco podía explotar su papel, bastante pobre en diálogos.

Volver es la muestra de que Almodóvar no es un director que se acomoda cuando llega a lo alto, si no que sigue avanzando hacia arriba, cada vez mejor. Esta excepcional película tocará varios palos en nuestro espectro sentimental.

EL NUEVO MUNDO* * *

2006-03-13T11:19:00.000-08:00

El Nuevo Mundo supone la quinta película en 36 años para Terrence Malick, director de culto con complejo de filósofo. Esto es El Nuevo Mundo, un ensayo filosófico.

Esta, aunque pueda parecer un retorno a los films de los 90 de época, como El Último Mohicano, Braveheart o Leyendas de Pasíon, dista mucho de estas. (Ojala no hubiera distado tanto). Ni siquiera se parece a un posible remake de Pocahontas de Disney, cuya única referencia es el increíble parecido entre el dibujo animado y la actriz. (Ojalá se hubiera parecido un poquito más a la de Disney). Pero no, El Nuevo Mundo es un film de Malick para gente como Malick. Gente que quiera disfrutar con profundísimas reflexiones en un film tremendamente pausado.

Si para mi humilde opinión, Malick es un mal guionista aunque un genial escritor. Debo rendirme ante él como uno de los mejores directores de los últimos años. En todo momento busca el punto de vista más enigmático, sin caer en planos convencionales y además consigue lo mejor de sus actores. Aunque... ¿A nadie se le ocurrió maquillar los tatuajes a Colin Farrell?

La excelente fotografía de Emmanuel Lubezki (sleepy Hollow) otorga al filme uno de sus mejores momentos, la llegada del capitán Smith a la tienda del gran jefe indio.

El Nuevo Mundo es una interesante película pero tremendamentre aburrida para la bonita historia que cuenta. Me quedo con el guión de Pocahontas.

TRUMAN CAPOTE* * *

2006-03-04T07:07:00.000-08:00

Tras un primer documental, Bennet Miller vuelve con un film documentado: la biografía de Truman Capote, el escritor que entre sus obras destaca Desayuno con Diamantes y A Sangre Fría.

El proceso de escritura de esta última novela es lo que cuenta este biopic que no tiene nada que aportar al mundo de los biopics. Si bien este es el primer retratado que realmente era un egocentrista, falso e interesado personaje. Ese es el retrato que hace Miller de Capote.

Poco hay que decir de esta película ya que tan solo la excelente interpretación de Phillip Seymour Hoffman es la que arrastra a todo el film a cuestas. Truman Capote es una perfecta película para ver un tranquilo sábado por la tarde. Lo único interesante es, como ya he dicho, descubrir a un personaje tremendamente antipático y encima sentir cierta simpatía por él, cierta pena. Hoffman consigue lo que el mismísimo Capote hubiera conseguido, engatusarnos para pensar que realmente él es una buena persona.

Por lo demás, Capote resulta bastante pesada y larga. Vuelvo a afirmar que lo único que sustenta esta película no es otra cosa que Hoffman en una increíble inversión en su personaje. Referencia sin duda de futuros actores.

EVERYTHING IS ILLUMINATED* * * *

2006-03-04T06:29:00.000-08:00

Primera película escrita y dirigida por el actor habitualmente secundario Liev Schreiber (visto en el remake El Mensajero del Miedo). La verdad, para ser la primera, el tío apunta bastante alto.

Everything is Illuminated, o titulada en España, Todo está Iluminado es una curiosa película, llamemosla curiosa, llamemosla freak, llena de emoción. La película cuenta la historia del escritor de la novela en la que está basada, Jonathan Safran Foer; americano judío que viaja a Ucrania en busca de la mujer que salvó a su abuelo de morir en la Segunda Guerra Mundial.
Una road-movie en la que tanto Safran como sus compañeros de viaje, sus guias: un ucraniano que quiere ser americano y un señor que dice ser ciego y es el que conduce, descubriran más de lo que en un momento creían.

Schreiber adquiere un estilo surrealista en el tratamiento que emana en cierta manera de las películas de Burton (sobre todo Big Fish) y de Jeunet (Amelie). Everything Is Illuminated está llena de personajes tremendamente interesantes a la par que surrealistas pero que esconden una gran carga emotiva.

Excelente opera prima para Liev Schreiber, que siga por el buen camino. Everything Is Illuminated es una entretenida tragicomedia dónde en la extrañeza de todos sus personajes encontraremos el ángulo en el que vernos reflejados. Esta no es otra película más sobre judíos y la Segunda Guerra Mundial.

BUENAS NOCHES Y BUENA SUERTE* * * * *

2006-02-17T12:05:00.000-08:00

Segunda película como director del actor para muchas deseadisimo George Clooney. Al parecer, aparte de un tio por el que las señoras pierden los huesos es además un gran director, sorprendente.

Pero Buenas Noches y Buena Suerte es una de las mejores películas del año 2005 (en EEUU se estrenó el año pasado). Aunque en esto soy muy poco objetivo, en estos tiempos una película que dure hora y media es de por sí una joya.

Y es que el filme cuenta lo que tiene que contar, es tremendamente conciso (tal vez como el buen periodismo que refleja), George Clooney (como coguionista) y Grant Heslov consiguen un guión cuasiperfecto, sin bajadas de ritmo, y aprovechando cada minuto al maximo para crear todo un discurso de libertad de expresión y del poder de la etica de cada uno. Así nos hacen pasar una hora y media que parecen cinco minutos y realmente pensando en lo que nos están contando. A esto se le añade la atemporalidad dada a la historia a pesar de estar enmarcada en la epoca de la caza de brujas estadounidense que perjudicó a tantos periodistas, cineastas,escritores, etc.

Otra maravilla del film es disfrutar de una fotografía en blanco y negro tan sumamente preciosa y elavorada. Por otra parte encontramos a los actores, extraordinarios. La mirada de David Strathairn y su templanza es digna del manual del buen actor.

Acertadísima película de George Clooney que, bienvenido sea como tal si va a hacer películas tan buenas. ( yo no he visto todavía Confesiones de una Mente Peligrosa, su anterior película, pero todo el mundo me ha hablado maravillas). Buenas noches y, Buena suerte.

MUNICH* * * *

2006-02-07T09:54:00.000-08:00

Hace unos meses declaré en el anterior blog que Steven Spielberg se convertía en el Dios indiscutible del cine por conseguir rodar una película tan emocionante cómo La Guerra de los Mundos en tan solo 72 días mientras que Dios creó el mundo en tan solo 7 días y que ambos habían tenido errores al hacerlo tan rápido. Lo sigo reafirmando a pesar de que después de volver a ver La Guerra de los Mundos le encuentre muchas mas cosas malas que buenas. Pero Munich vuelve a resultar una reconsolidación de Spielberg como también un director serio. Algo que es digno de elogiar, lo mismo es capaz de hacerte un blockbuster que una pelicula con terrible carga moral, como ya hiciera en La Lista de Schindler o en El Color Púrpura.

Esta vez se ha atrevido a retratar un peliogroso tema, el conflicto palestino-israelí desde el punto de vista de los encargados de asesinar en venganza a los responsables del secuestro y asesinato de los atletas israelíes en los juegos olímpicos de 1972. A pesar del punto a favor de los judios por parte de Spielberg (que es judío), la verdad es que ha conseguido una película bastante equilibrada ideologicamente dónde la conclusión final está clara, la violencia y la venganza no es la solución a ningún problema.

Además Munich no solo es una película sobre el conflicto entre árabes y judíos, es una película sobre la venganza, inútil desde cualquier punto desde dónde se vea y además es, como no, una película sobre la familia y la importancia de su union como tal (un tema presente en todos los filmes de Spielberg).

Tecnicamente de nuevo es impecable, exceptuando la fotografía de Janusz Kaminski, el habitual director de fotografía de Spielberg desde La Lista de Schindler pero que desde Inteligencia Artificial, le da a las luces una intensidad bastante molesta, como comiendose la luz del fondo a la silueta del personaje, en ciertas partes claro y después también ciertos colores verdes amarillos y azules oscuros a los lugares cerrados y de noche, una fotografía extraña que no me convence.

Los actores estan excelentes, es extraña la no nominación de Eric Bana o de algún secundario.

Munich es la película más dura de Spielberg, con secuencias realmente impactantes. Una película tremendamente interesante si bien su metraje es excesivo.

SIN CITY* * *

2006-02-07T09:29:00.000-08:00

Robert Rodríguez nos presenta, junto a Frank Miller y Quentin Tarantino, la que ha sido su mejor película y posiblemente será la mejor de su carrera.

Y con esto no quiero resaltar que la película sea buenísima, sino que el nivel puesto por Rodríguez es tremendamente bajo. Robert Rodríguez es un director que ha jugado a experimentar con nuevas tecnologías (spy Kids) de forma fallida, también de forma fallida intentó reavivar su joya (El Mariachi) y jugó a ser Tarantino con el consentimiento de este claro (abierto hasta el amanecer) pero ninguno de estos casos consiguió hacer una película que sobrepasara el notable, en esta tampoco.

Sin City está increíblemente bien realizada, eso es algo innegable, la mejor película como director de Robert Rodríguez, ha sabido plasmar a la perfección el estilo del comic de Miller a la gran pantalla mediante la aún odiosa realización por ordenador con personajes de verdad, aunque Rodríguez haya conseguido hacer lo mejor que se puede con ella (no como en Spy Kids y sus secuelas).

Pero Sin City cuenta con historias realmente absurdas y un guión que parece escrito por un niño de preescolar, aquí lo que importa es la violencia por la violencia. Sin importar la historia, lo que importa es llegar a la secuencia de violencia extrema (atenerse la gente sensible). Aunque si bien los diálogos son tontos igual que la historia en general, Miller consigue crear unos personajes realmente interesantes, el espectador se queda con ganas de saber más de estos personajes encerrados en el oscuro mundo que representa Sin City.

Así, la película se desarrolla de una manera ligera, sin resultar pesada, entretiene y nos sacia de la dosis de violencia audiovisual que necesitamos como nuestros ancestros la necesitaban ver en los circos romanos. Pura violencia gratuita pero efectiva. Una película perfecta para los que les guste un sucedanio de Tarantino (a pesar de poner su granito de arena).

MEMORIAS DE UNA GEISHA* * *

2006-01-31T10:39:00.000-08:00

Tras el excelente trabajo realizado con Chicago, vuelve Rob Marshall para contarnos el para nosotros extraño mundo oriental descrito por el americano Arthur Golden en Memorias de una Geisha.

Marshall vuelve a inspirarse en el estilo más clásico si bien ha sabido desarrollarlo al mejor estilo de cine actual, como ya hizo con Chicago. A su vez, el director ha procurado alejarse del estilo visual de los filmes orientales actuales (Tigre y Dragón, Hero o Las casa de las Dagas Voladoras) y ha optado por no hacer un filme exageradamente estilístico, sino por hacer algo más "serio", más humilde dentro de lo humilde que se pueda ser dentro de un filme de esta envergadura.

También es cierto que Marshall ha tenido unos errores que en su anterior film no tuvo. El estilo narrativo de Memorias de una Geisha es bastante pesado, lento y se ha abusado demasiado de la voz en Off, llegando a ser en algunos momentos un verdadero incordio. A su vez la estructura planteada está bastante desequilibrada (tal vez en el libro también, no lo he leído). Se puede decir que la película está dividida en cuatro partes: infancia, preparación de geisha, geisha y retorno como geisha. pues bien, el tiempo dedicado a cada parte está bastante mal repartido. Con partes demasiado alargadas y partes interesantes recortadas.

Técnicamente Memorias de una Geisha tiene una fotografía realmente fantástica aunque a veces peca de ser algo pastelosa. En lo que está vez no ha acertado Marshall ha sido en la planificación de las secuencias. La película es extremadamente cerrada, creo recordar que solo hay un plano abierto en toda la película (exceptuando los paísajes de transición) y además la cámara es bastante inestable, parecde rodada la mayoría de ella con cámara al hombro.

Las actuaciones son excelentes, realmente interesantes. Ziyi Zhang estaba realmente bien y se merecía una nominación a los Oscars. Otra a destacar es la elegantísima Michelle Yeoh cómo la que un día fue la mejor Geisha.

Como conclusión nos encontramos ante una bonita y bastante correcta película de amor con un cierto tono clásico. Mágica pero sencilla, delícada y relajada. Sin duda, debemos estar atentos a la carrera de Rob Marshall, que se presenta muy interesante (apadrinado por el todopoderoso Steven Spielberg).

BROKEBACK MOUNTAIN* *

2006-01-25T02:49:00.000-08:00

Es extraño y bastante inverosímil que esta película venga de un realizador como Ang Lee, que ha demostrado sobradamente su buen hacer en cuanto a dotar a una película de una emotividad crucial, como en Sentido y Sensibilidad o Tigre y Dragón.

Pero Brokeback Mountain es una soporífera película carente de la más mínima emotividad. Partiendo de la buena idea con la que se presenta la película, el dramatismo de esta es apenas explotado. A Ang Lee le ha faltado dar a la película un poco de sangre, para conseguir por lo menos, un pequeño escalofrío en el espectador.

Por otro lado tenemos lo tremendamente repetitiva que resulta la película, tras ver las primeras secuencias estas no hacen más que repetirse una y otra vez con casi el mismo esquema narrativo y además para el único giro que hay en la película (que no desvelaré), este resulta apenas emotivo. Además el ritmo también es muy lento y muy desequilibrado, con puntos muy altos y puntos muy bajos. Y me temo que los bajos superan a los altos.

Entonces, ¿qué tiene de buena esta película tan premiada?, pues exactamente lo que le salva de la hoguera. Un buen desarrollo de la lucha interna de ambos protagonistas por no deber hacer lo que quieren hacer (y eso que también ese conflicto está muy poco trabajado), y una maravillosa fotografía del que parece que será el mejor director de fotografía de esta década por lo menos, Rodrígo Prieto (Amores Perros, Alejandro Magno, 21 Gramos o Frida entre otras).

Las actuaciones son correctas pero tampoco destacan especialmente, si bien sorprende Michelle Williams, una de las muchas pedantes de Dawson Crece. Los protagonistas de esta historia de amor imposible, Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, creo que podía haber dado mucho más de sí puesto que estan muy correctitos pero no están espléndidos, y por lo menos Gyllenhaal podía haber dado mucho más.

Brokeback Mountain es una película muy normalita, temiendome que si la película no incluiría la idea de dos vaqueros (ovejeros) homosexuales hubiera pasado totalmente desapercibida. Además de esa sombra de telefilm que vuela por encima de la película.

JARHEAD * *

2006-01-20T14:11:00.000-08:00

Jarhead debiera ser la consagración como director de Sam Mendes, tras las estupendas American Beauty y Camino a la Perdición, pero esta película se aleja bastante de las expectativas de lo que podía dar Mendes.

Jarhead supone un arma de doble filo moral, lo que supone un gran peligro. Es un filme cuya historia puede ser comprendida de dos formas, es una película antibelicista muy suave y edulcorada. Desde fuera de los Estados Unidos captamos el sentido irónico de la historia, pero, ¿serán los propios americanos quienes pillen esta película o se pensarán que es probelicista? o ¿puede ser que realmente no debamos buscarle mucha cosa y realmente Mendes haya querido dar una imagen probelicista?
Esta situación la explica muy bien una escena de la película, cuando los militares son llevados a una sala y les ponen una película, Apocalypse Now, y ellos la ven como probelicista, ven bien lo que los americanos hacían con los vietnamitas. Y es muy posible que si ponen Jarhead a los militares norteamericanos o a los jovenes no pillen el sentido irónico de la película.

En Jarhead se retrata una guerra guay, donde los únicos que mueren en irak son los iraquíes, y los americanos van por ahí a ritmo de rock and roll aportado por la banda sonora. Y esto puede ser verdaderamente entendido así por los jovenes con dudas para alistarse. Por eso esta es una historia muy peligrosa.

Tecnicamente la película se aparta del estilo de las de su género más cercanas, con una fotografía mucho menos artificiosa pero mucho mejor trabajada y una planificación de las secuencias que harán las delicias de los ojos más exigentes (vease cuando llegan a los pozos de petroleo).

En lo que si se puede decir que se consagra Mendes es como director de actores, de nuevo ha sabido sacar lo mejor de ellos. Jake Gyllenhall está muy creíble y refleja a la perfección la complejidad mental de un soldado cuyo cerebro ha sido totalmente manipulado. El resto del reparto también está muy bien. El ataque de Peter Saarsgard es simplemente alucinante.

Excelentes actuaciones en una película compleja por la sensación de estar viendo una moral probelicista disfrazada por un supuesto antibelicismo. Confuso el hecho de no tener claro que quiere decirnos Sam Mendes con la película.

CRASH * * * * *

2006-01-20T14:04:00.000-08:00

Nunca es tarde descubrir el excelente guonista que puede haber en uno, o eso es lo que deberíamos aplicar al director y guionista de esta maravillosa historia, Paul Haggis.

La carrera de Haggis esta marcada por puntos negros, no hay nada mas lamentable que tener que admitir que el director de esta película es el creador a su vez de Walker, Texas Ranger. Además según los usuarios de IMDB, sus escasas intervenciones como director en el cine han sido pésimas sin llegar ninguna al aprobado.

Pero llega 2004, y Clint Eastwood le da la oportunidad de adaptar a guión el libro que inspiro a Million Dollar Baby, y con el llega el reconocimiento mundial de Haggis y el deja que aflorezca el buen guionista que era, a pesar de su pésima carrera. Tras Million Dollar baby, buena pero demasiado sobrevalorada, Haggis se atreve a lanzarse a la dirección con esta triste visión del humano que es Crash.

La historia se ambienta en Los Angeles y nos muestra una ciudad multiétnica pero sin embargo llena de racismo por parte de todos. Crash peca de ser un teatrillo demasiado preparado para que todas las personas racistas de la película coincidan en apenas dos días (le falta la naturalidad de las películas de González Iñarritu). Pero la artifiacilidad de la puesta en escena se asume desde el primer minuto y te embarca en una apasionante película que nos dejara con el corazón en un puño.

Y es que siempre da mucha rabia que te descubran lo asquerosa que es la humanidad, venga de donde vengas, blancos, negros, chinos, latinos, musulmánes, todos, absolutamente todos somos igual de cabrones y sin embargo, a todos, absolutamente todos, nos queda una luz de esperanza que descubramos cuando metamos la pata, que ya nos vale también... Pero el ser humano es así, los malos tienen su lado bueno y los buenos tienen su lado malo.

Tecnicamente la película también se inspira mucho en ese nuevo estilo de cine del que actualmente su principal representante es Alejandro González Iñarritu, con cámaras muy cercanas y fotografía saturada. Cabe destacar el montage, las diferentes historias de la película están muy bien hiladas.

Otro reto de Haggis era su reparto, tenemos a la casi detestable Sandra Bullock, pero que en esta película saca lo mejor de ella. Tambien tenemos a Brendan Fraser o Matt Dillon, actores en franca decadencia pero que han demostrado aquí lo bien que lo pueden llegar a hacer. Mención especial para Don Cheadle, sin duda uno de los mejores actores de la época que nos toca.

Imprescindible película que no dejará indiferente a nadie.

PRESENTACION

2006-01-20T13:47:00.000-08:00

Bienvenidos a In & Out Cinema, blog en el que me dedicaré a comentar, no ha criticar, películas. Si es que hay alguna diferencia, jejeje, pero es que a mi no me gusta la palabra criticar.

Cada semana procuraré meter al menos algún comentario de películas actuales ya sea de cine o de DVD. El sistema será el siguiente, como título tendrá el nombre de la película y al lado este símobolo: *, que simulará a las típicas estrellas. El número de estrellas equivale a:

* = mala
**= regular
***= buena
****= muy buena
*****= Imprescindible

A la hora de comentar y puntuar me guiaré por: la realización, las actuaciones y el guión.

Bueno ya ireis viendo mi estilo. Yo soy Sergio Albarrán, estudiante de Comunicación Audiovisual de la Universidad del País Vasco. UPV-EHU.

Saludos y bienvenidos a mi blog. Por supuesto se permite comentar cada uno de mis comentarios y dar vuestras opiniones sobre el filme en cuestión. Siempre y cuando no se llegue al insulto, jajajaja.

Hasta la próxima.